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2011-01-07T18:48:00.000-08:00

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Jimmy Hendrix;

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Catálogo La Pomme

2010-12-11T19:39:00.000-08:00

El sueño sesentero: desde la revolución psicodélica hasta el onírico festival de Woodstock

2009-08-17T13:35:00.000-07:00

En cientos de revistas, libros y programas de televisión se ha hablado mucho acerca del movimiento Hippie. Pero, qué se esconde detrás de esta inclinación pacifista que se catapultó como una de los sucesos más importantes del planeta y que hoy en día, no sólo intransigentes adolescentes con espíritu retro, sino también sociólogos, psicólogos, literatos, periodistas y hasta grandes pensadores, toman el tema enserio? Cabe la interrogante luego de encontrar vastos artículos que rememoran el onírico festival de Woodstock, que tuvo lugar en la granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969. Para ello es preciso dejar al lector una interesante perspectiva de los precedentes que originaron esta corriente llena de flores, pantalones acampanados e hipnótica música, la cual se entregará, éste y los dos días subsiguientes. Aquí la primera.

La prensa mundial lo clasificó como uno de los diez acontecimientos sobresalientes del año 1967. Sin embargo, el fenómeno hippie puede parecer complejo, anacrónico, un poco demente e incluso incomprensible para un espíritu joven o viejo. Y ello es, sin duda, porque esta aventura es la resultante de tres movimientos convergentes, casi específicamente angloamericanos, y, a veces, de orígenes remotos.

La formación místico-química de una tercera fuerza religiosa nacida en los Estados Unidos desde la Segunda Guerra Mundial. Una vieja concepción humana: Dios, y una ciencia relativamente nueva: la psicofarmacología (es decir, la utilización de drogas en psiquiatría) van a reunirse con un ardor desesperado. De este acoplamiento, aparentemente monstruoso, surgirá la nueva religión del L.S.D. 25. Y, de ahí que diversas y numerosas discusiones enfrentarán a psicólogos y teólogos; a empiristas y racionalistas.

Como reacción contra la alineación inherente a la sociedad moderna, una renuncia social y política sin violencia, caracterizada por una voluntad de retorno hacia la naturaleza, el amor al prójimo y la pasión por las flores. Esta huida pacifica parece resultar de un profundo desprecio por todo lo que se relaciona con el materialismo puritano e implacable del “American way of life”. Por otra parte, asqueado por el absurdo agresivo de los pueblos occidentales, el hippy se vuelve hacia la sabiduría oriental o en pos de la forma de vida “replegada” de los indios de América.

Por fin, una pequeña revolución artística de carácter popular que marcará esencialmente a la música, la literatura y a la pintura. Cabe destacar que tal revolución ya se había comenzado en los Estados Unidos con la “Beat Generation”, (los escritores y poetas beatniks) hacia 1959.

Dicho esto, a fin de permitir al lector seguir con mayor facilidad el siguiente resumen, pues es más fácil perderse en los arcanos de esta conjura juvenil y ligeramente alquimista, he aquí una breve cronología de los acontecimientos decisivos del movimiento psicodélico:

Enero de 1959: un joven doctor en psicología, Timothy Leary, 38 años, origen irlandés, ex católico convertido al hinduismo, entra al Centro de investigaciones sobre la personalidad de la Universidad de Harvard.

Agosto de 1960: en Cuernavaca, pequeña ciudad de Méjico, el doctor Timothy Leary aprovecha sus vacaciones para ensayar en su persona los efectos de los hongos alucinógenos de la región. Sabe que estas drogas naturales, según en las obras de Aldous Huxley, provocan en el hombre coloreadas y fantásticas visiones. Conquistado por su propia experiencia vuelve a Harvard con la firme decisión de proseguir sus investigaciones.

Enero de 1961: en el transcurso de un simposio titulado: “Control del espíritu humano” que reúne a veintiséis autoridades científicas y literarias en la Universidad de California, el escritor Aldous Huxley reafirma que “ciertas drogas pueden desarrollar, incrementar y ampliar los limites del pensamiento humano”. Teoría ya expuesta en sus dos obras. Un poco mas tarde, Huxley encuentra a Leary. Como era previsible, el anciano escritor y el joven investigador se comprenden casi sin palabras y deciden unir esfuerzos.

Mayo y octubre de 1961: Timothy Leary prosigue sus experimentos en Harvard pero, esta vez, haciendo ingerir una droga; la psilocibina, a estudiantes voluntarios. “Los viejos” de la universidad se enojan. Leary y su discípulo, el joven Richard Alpert de 28 años, deben prometer abandonar esos peligrosos trabajos. De hecho, y ello se sabrá más adelante, no solamente no lo hacen sino que emplean una droga mucho más poderosa: el L.S.D. 25 tres letras y dos números que darán la vuelta al mundo.

Marzo de 1962: nuevas inquietudes en la Universidad de Harvard. Grupos cada vez más numerosos estudiantes toman L.S.D.

Verano de 1962: en California, desde Los Ángeles hasta San Francisco, y sobre todo entre los poetas e intelectuales de la Beat Generation (ya acostumbrados a la marihuana y a la mezcalina), el L.S.D. encuentra una multitud de adeptos.

Otoño de 1962: Leary funda su primer movimiento: la I.F.I.F. (la federación internacional para la libertad internacional). Es de esta agrupación que saldrán los primeros hipies.

Primavera de 1963: Leary y Alpert se han extralimitado. Son juzgados por sus colegas y expulsados del cuerpo docente de la Universidad de Harvard a pesar de sus protestas. Haciendo uso de su prestigio, Aldous Huxley intercede por ellos; pero será en vano. El gran escritor muere de cáncer el 22 de noviembre de 1963.

Año 1964: Leary funda y publica la “revista psicodélica” junto con su amigo Ralph Metzner. Es el primer paso. Antiguos miembros de la Beat Generation como Ginsberg, Schulberg, Burroughs, Ferlenghetti y Zinder se unen a él. Un poco más tarde Leary publicará también La experiencia psicodélica, una adaptación del “Libro tibetano de los muertos” y las “Plegarias psicodélicas” de acuerdo a un texto sagrado chino, el “Tao Te King”. Como este último titulo lo indica, la ciencia ya se ha acercado a la religión. La experiencia de la droga se ha vuelto mística.

Enero de 1966: aparecen las siete primeras comunidades hippies especialmente en San Francisco, en los bosques de pinos gigantes de California, y en Nueva York. El hecho de que Leary y sus amigos se encuentren a la cabeza del movimiento no sorprende a nadie.

2 de marzo de 1966: el Presidente Jhonson es notificado de un brutal aumento de toxicomanía entre los jóvenes americanos y pide: "… un aumento más estricto del F.B.I. sobre el tráfico y uso de estupefacientes". Pese a estas medidas aplicadas de inmediato, el fenómeno parece extenderse a todas las universidades.

5 de abril de 1966: el doctor James Goddard, director de la todopoderosa F.D.A.(Food and Drugs administration) envía a los administradores de 2,000 colegios y universidades americanas, una carta de alarma, denunciando esta “muy gran amenaza”. El mismo día, el senador Thomas J. Dodd presenta al senado un texto para “sancionar penas de mayor inflexividad” sobre el mismo tema. Paralelamente, se organizan campañas contra el L.S.D. por tres grandes cadenas televisivas norteamericanas: la A.B.C, la N.B.C. y la C.B.S.

14 de abril de 1966: la firma Sandoz, fabricante del L.S.D. en los Estados Unidos, detiene todas sus órdenes de compra. Sin embargo, un delegado de dicha firma declara con amarga lucidez: “no me sorprendería que hubiera más L.S.D. en las universidades de lo que jamás hemos fabricado”.

Abril 1966: estalla el primer drama. Stephen kessler, 30 años, ex estudiante de medicina, es detenido en Brooklyn por dos inspectores de medicina criminal. Se le imputa el cargo de haber degollado a su suegra con un cuchillo de cocina. “He flotado durante tres días con L.S.D”, declara para explicar su crimen.

16 de abril de 1966: los acontecimientos se precipitan. Timothy Leary es detenido en su casa, en Millbrook, cerca de Nueva York. Es, de hecho, su segundo arresto. Corre el riesgo de ser condenado a treinta años de prisión con pena conmutable a una respetable multa.

Verano de 1966: durante este verano se realiza una encuesta. los hippies son ahora más de 150,000 repartidos por los Estados Unidos. Las vacaciones no arreglan nada. ¿No es el acaso la pereza la madre de todos los vicios?

19 de septiembre de 1966: el incorregible Timothy Leary anuncia la formación de una nueva religión. Será la “League of Spiritual Discovery” (liga de descubrimiento espiritual) fundada sobre el uso sagrado del L.S.D. esta vez, la ley se ve en aprietos, pues hay precedentes. (En efecto, otra iglesia americana emplea ya la droga…) ¿Se volverá legal el L.S.D. gracias a la religión?”, pregunta la revista “Science”.

20 de septiembre de 1966: los cargos imputados a Leary el 16 de abril anterior, son denegados por la justicia democrática americana. Es la absolución que no deja de producir diversas reacciones en el público.

6 de octubre de 1966: sobre el césped amarillento del Golden Gate Park de San Francisco se desarrolla el primer Love-in (reunión de amor entre seres humanos) de la era hippie. Veintiocho mil grandes flores participan en él.

12 de octubre de 1966: mientras el movimiento hippie sigue desarrollándose, su gran sacerdote Leary es detenido nuevamente al regresar de Toronto, Canadá.

16 de marzo de 1967: el doctor Marmon M. Cohen, acompañado por los doctores Nathen Back y Marinello afirman que el L.S.D. deteriora los cromosomas humanos (peligro de niños monstruosos) y pide con urgencia una orden de detención para esta epidemia religiosa.

17 de marzo de 1967: la respuesta no se hace esperar. Frente al apasionamiento público, el doctor Ditman, de la universidad de California, afirma en el New York Times, que el L.S.D., un medio excelente para luchar contra el alcoholismo y que no tiene nada en común con brebaje diabólico alguno. Alfred Prince, investigador sobre células humanas, reprocha al doctor Cohen de acusar sin pruebas.

25 de marzo de 1967: ya no se habla más de hippies y de L.S.D. a su vez el físico Louria se lanza al contraataque al señalar en el Washintong Post que 130 adictos al L.S.D. han ido a parar a los servicios psiquiátricos del hospital Bellevue durante los últimos dieciocho meses.

29 de marzo de 1967: es menester ayudar a estos jóvenes fascinados por la droga, declara el doctor Duke Fisher, quien estima que un treinta por ciento de ellos esta compuesto por estudiantes.

8 de abril de 1967: una encuesta realizada en la universidad de Princeton parece darle la razón. El 15 % del alumnado reconoce haber ingerido la droga. Un 15 % de confesos pero, ¿y aquellos que no han hablado? La opinión pública se interroga. En las universidades del estado de San Francisco la proporción sobrepasa oficialmente el 35% (en su número del 8 de agosto de 1967, la revista Look mencionará un 50%).

7 de julio de 1967: los hippies son ahora 350.000. Nada parece detener esta progresión numérica. Estudiantes y hasta colegiales se suman a ellos en cuanto finalizan los cursos y, a veces, antes. Sin distinción de clases, los adolescentes se fugan de sus hogares.

La policía esta al acecho. La revista americana Time consagra (honor excepcional) su tapa a los hippies y les presta intenciones filosóficas y religiosas. Tres semanas más tarde su rival Newsweek se apodera del tema. Es más o menos en ese momento que el hippismo llega, en Francia, a oídos del grueso público. Se debe particularmente a periodistas como Henry Chapier (Combat y Aux Ecoutes) Serge Lenz (Lui) y sobre todo al excelente equipo de la revista Rock and Folk, con Alain Dister y Philippe Rault.

Septiembre de 1967: Timothy Leary ha perdido mucha de su influencia y prestigio en el seno del movimiento hippie. Se le reprocha oficialmente su megalomanía y su intransigencia. El cisma no tardará en producirse. En realidad ciertos hipies concientes ahora del peligro, buscan el éxtasis por los medios de experiencia mística. El cambio de actitud de los Beatles quienes, después de haber cantado loas al L.S.D. se han volcado hacia el yoga, no es ajeno a este fenómeno.

6 de octubre de 1967: el fin del movimiento se produce en San Francisco con toda exactitud al año del primer Love-in. Los hippies de San Francisco queman en la plaza pública todo aquello que han amado. Collares, vestidos floreados, revistas y publicaciones psicodélicas, retratos y libros de Leary, etc.

Los burgueses, los padres y los funcionarios respiran. Pero su alegría es apresurada. La cosa no termina ahí. Un nuevo brote ha nacido espontáneamente de las cenizas de la “Hip Generation”. Es “The Brotherhood of Freemen” (la hermandad de los hombres libres) que un periodista avispado bautiza inmediatamente “Freebie”

Su nuevo maestro, un sabio hindú de 73 años, Meher Baba, se opone al uso de todas las drogas psicodélicas tan caras a Leary. Algunos freebies le obedecen. Otros no. Pero lo esencial es, la forma de compromiso político más acentuada del nuevo movimiento. Incluye, en ciertos casos, tendencias netamente promarxistas.

Enero de 1968: teniendo en cuenta esta nueva ideología, el movimiento freebie ha ampliado considerablemente sus filas. Podrían contarse quizás como simpatizantes a dos millones de jóvenes. Lo cual no es, desde luego, más que un cálculo aproximativo. Al abandonar sus flores y sus campanitas, resulta más difícil localizarlos. Las cosas han llegado a este punto.

Y qué paso con “Sugar Chile” Robinson?

2009-07-06T13:11:00.000-07:00

Por: Miguel S. Locatelli

Atiborrada de una serie de mitos y creencias, la historia de la música blues ha dado origen a grandes leyendas a lo largo del tiempo, verdaderos protagonistas encarnados en “Blues devils”, como el endiablado Robert Johnson o el mágico y precoz “Sugar Chile” Robinson quien desapareció sin dejar rastro, justo en el clímax de sus infantiles golpes rítmicos en el teclado y sus agónicos gritos bluseros.

Nacido como Frankie Robinson en 1938, este pequeño manojo de dinamita oriundo de la ciudad de Detroit fue uno de los grandes demonios de la música boogie woogie en los Estados Unidos.

Dotado de un gran talento musical, se dice que Frankie Robinson fue el menor de seis hermanos y que comenzó a tocar la clave mientras aprendía a caminar, hasta que cierto día del año 1940 aporreo el piano de la familia para hacer una versión reconocible de la canción “Tuxedo Junction” del famoso trompetista de jazz Erskine Hawkins.

A su corta edad, este terrón de azúcar negra conocido como "Sugar Chile" ganó algunos “Talent shows” y apareció dos veces en emisiones AFRS, cuando sólo tenía 5 años; en una de ellas formaba parte de un trío con Lionel Hampton y en la otra hacía un dueto de piano con Harry “The Hipster” Gibson.

Queda para la anécdota el fracaso que tuvo en su ciudad natal, cuando perdió un concurso de piano boogie woogie, puesto que era demasiado joven para competir oficialmente. Tenía entonces 6 años.

Asimismo, fue el pianista y director de orquesta muy popular en los años 40 y 50
Frankie Carle, apodado “El Mago del Teclado”, quien descubrió al niño prodigio que con sus diminutos dedos negros y excéntrica sonrisa era capaz de hacer delirar a grandes y chicos con temas de su repertorio como After School Blues, Christmas Boggie o Say, Little Girl.

Reclutado por la Casa Blanca

En menos de un año, la carrera del enigmático “Sugar Chile” Robinson subió como la espuma, llegando a tocar en la Casa Blanca donde se escuchaba cada vez más los rumores de que un pequeño niño de color de tan solo seis años tocaba el piano como un viejo de cuarenta.

De esta manera, Sugar Chile junto a la orquesta de Lionel Hampton, considerado el primer vibrafonista del jazz y una de las grandes figuras de los años treinta, deleitó al presidente norteamericano de aquel entonces; Harry truman interpretando la canción que daba título a la película de la MGM de 1946, “No Leave, No Love”, una comedia románica que protagonizaron Van Johnson y Keenan Gin.

Seguidamente los contratos no se hicieron esperar para el pequeño Frankie Robinson, obligado abandonar sus juguetes por incansables horas frente al piano y rodeándose de grandes músicos del jazz y blues como Gene Krupa, Count Basie y Billie Holiday. Fue precisamente con el Basie Sextet y con la apodada Lady Day que “Sugar Chile” filmaría en agosto de 1950 en Hollywood un celebrado corto musical como escaparate de sus éxitos.

Mamá quiero grabar un disco

Fue la compañía Capitol Records, esa cuna de excéntricos trovadores del género musical negro norteamericano y primer sello de la Costa Oeste de los Estados Unidos, la que de inmediato reclutó al pequeño “Sugar Chile” en 1949, dándole o mejor dicho “dándose” la oportunidad de grabar una serie de hits que alcanzaron los primeros lugares de las listas Billboard a finales de ese mismo año.

Ya para las navidades de 1950, la compañía dio origen a la primera edición discográfica de Sugar Chile en Europa. “Christmas Boogie” y “Rudolph The Red Nosed Reindeer” vendieron lo bastante como para dar inicio a una gira por el viejo continente en 1951, logrando un gran impacto en la radio y televisión.

Sus giras posteriores rompieron records de taquilla en todas partes, desde el teatro Regal de Chicago, donde aún ahora se recuerda su clamorosa aparición, pasando por el Blue Note, hasta el London Palladium de Europa en 1951.

Mientras que temas como “Caldonia (What Makes Your Big Head So Hard)” figuraba en el número 14 del ranking, Numbers Boggie coqueteaba cada vez más con la cima jazzística, y para envidia de algunos, logró el cuarto puesto dejando atrás a un logrado Louis Armstrong, quien fuera criticado por aceptar el título de "King of The Zulus" en el Mardi Grass de aquel período.

Cuando el azúcar se acabó

Con tan sólo 13 años y con más experiencia que cualquier “Jazzman” del mundo, la carrera de Frankie Robinson finalizó repentinamente dando origen a una serie de interrogantes que hasta el día de hoy no se han esclarecido.

El último trabajo que dejó, consta de un single editado en agosto de 1952 seguida meses después por una recopilación boogie woogie en un Lp de 10 temas, los cuales se realizaron en 1949 y donde se encontraban también algunas de sus recientes grabaciones. Sin embargo en el año 2003 se reeditó una compilación de CDs, denominados "Clásicos cronológico 1949-52" con 14 singles que recogen la carrera discográfica completa de "Sugar Chile" Robinson, así como también unas cuantas transcripciones radiofónicas y soundtracks de películas.

Ciertos rumores, aseguran que Frankie “Sugar Chile” Robinson subió a escena por última vez en 1957 en el Teatro Apolo de Harlem, aparición que le costo prácticamente el fin de su carrera, debido al incidente ocurrido. Esa noche luego del espectáculo uno de los hombres de limpieza del teatro ingreso furtivamente al camerín del niño para tratar de reunirse con él, clara fue la sorpresa de éste cuando vio al pequeño sostener un cigarro entre los dedos, dando caladas muy ondas para calmar su ansiedad.

De esta manera, cuando en realidad ya había cumplido 19 años, los productores no vieron mejor forma que vender gato por liebre, promocionándolo como un niño prodigio de siete años que tocaba el piano, debido a su baja estatura, lo cual aparentaba que nunca alcanzaría más de metro y medio.

Finalmente la industria del entertainment de los Estados Unidos esta condimentada por niños maravillosos, con una linda sonrisa o con un talento tan precoz que muchos envidiarían tener, pero que luego de tocar la luz resplandeciente del alba caen como moscas y forman parte de algún Talk show gringo. Ese fue el caso de “Sugar Chile” Robinson, hoy psicólogo de la universidad de Michigan en Detroit y pianista de boogie-woogie que el tiempo se ha llevado.

Larga vida al rey!!!

2009-06-27T16:44:00.000-07:00

Por: Miguel S. Locatelli

El mundo de la música no ha sufrido noticia similar desde el asesinato del ex Beatle Jhon Lennon. Michael Jackson ha muerto y con él, la máxima estrella musical de los años ochentas y noventas, el último Rey del Pop, y uno de los ídolos mundiales, convertido ahora en el mito y leyenda de la cultura popular.

El día jueves 25 de junio del 2009 será recordado como una de las fechas más negras para la historia de la música; el legendario cantante Michael Jackson, proclamado el Rey del Pop, falleció a causa de una posible sobredosis de medicamentos que le provocó un inevitable paro respiratorio.

Con esta inesperada noticia, el mundo no sólo trataba de asimilar, unas cuantas horas antes, que un ángel llamado Farrah Fowcett escalaba en lo más alto del cielo, sino que también, todos estaban pendientes de algo que parecía una estúpida broma o un rumor mediático.

Hasta que, envueltos de angustia y alimentados por el morbo, todo el planeta retrocedió en un flahsback total, al punto que Elvis, Jannis, Hendrix, Morrison, Lennon y Cobain se sacudían en sus criptas, mientras que el mundo se despojaba de su hipocresía para convertirse en fans de Yacko nuevamente.

El Jakson one

Nacido una lluviosa tarde de verano (29 de agosto de 1958), en el “Memorial Hospital” y poblado de un gran universo musical con ritmos soul, funk y blues, Michael Joseph Jackson fue el menor de los cinco hermanos que formaron aquella divertida banda “The Jackson Five”, titulo con el que fuesen bautizados por la catedral del soul Tamla-Motown.

No tardó mucho tiempo para que el primer sencillo del grupo “I Want You Back” escale en lo más alto del ranking Billboard en 1969, desarrollando un repertorio en base a los estilos R&B, y posteriormente disco.

Sin embargo, luego de una actuación junto a "The Supremes" y de las palabras de la gran estrella de la música negra; Diana Ross, quedo bien en claro quién era la verdadera providencia del grupo: "... Tengo el placer de presentarles esta noche a un joven y gran estrella que ha trabajado en el mundo del espectáculo durante toda su vida y que cuando canta y baila ilumina el escenario: Michael Jackson y The Jackson five".

Sin dejar de lado a los Jackson five y siendo la voz principal del grupo, el pequeño Michael se disparó como solista en 1972, con el álbum “Got To Be There”, el cual llegó al tope de los rankings estadounidenses con sencillos como “ABC”, “The Love You Save”, y “I'll Be There” logrando ser la primera agrupación de raza negra que atrajo igualmente a la audiencia blanca.

Nace el rey del pop

Si bien en su disco “Off The Wall” (1979) ya había insinuado infecciosas canciones que alcanzaron las antenas musicales de todo el mundo, como “Don't stop till you get enough” y “Rock With You”, fue con Thriller, el disco más vendido de la historia de la música, que llegó a convertirse en un verdadero fenómeno de masas, comparable con una recién iniciada Madona u otra estancada Cindy Louper.

Pronto la actriz estadounidense Elizabeth Taylor no vio mejor calificativo para Michael Jackson que llamarlo “king of pop, rock and soul”, “Rey del pop y de la música soul”, titulo que le valió muchas portadas en revistas nacionales e internacionales, llegando inclusive a editarse veintitrés millones de libros sobre él.

Asimismo, mientras que sus canciones dominan las listas y entregas de premios, sus videos conmocionan a los televidentes, tal es el caso de “Trhiller", un corto de 14 minutos dirigido por John Landis el cual marco una pauta a seguir en la concepción de estos trabajos al incluir todo un guión casi equivalente a un corto de cine.

Por otro lado, en medio de un mundo que se sumergía cada vez mas en la pobreza y la desolación, Michael Jackson, junto a Lionel Richie, lograron reunir a un gran grupo de músicos famosos, entre los cuales estaban importantes nombres como Kenny Rogers, Tina Turner, Billy Joel, Steve Perry, Bob Dylan y Bruce Springsteen, formado especialmente para la ocasión que se denominó Usa for Africa (United Support of Artists for Africa) uno de los continente más devastado por la miseria de sus habitantes.

La canción se llamo “We are the World” y fue la numero uno en ventas manteniendo esa posición durante cuatro semanas en abril de 1985. Además ganó los premios Grammy de Canción del año, Disco del año y Mejor actuación de un grupo. Ese mismo año, “We Are the World” llegó a las tiendas de EE. UU logrando vender 7,5 millones de copias de la primera edición.

Y es que Michael Jackson dedicó gran parte de sus esfuerzos y recursos económicos a la ayuda humanitaria, siendo calificado por el Libro de récords Guinness como el artista que más dinero donó a caridad en la historia, con 300 millones de dólares. Sin embargo el resto del cuento ya la conocemos; traiciones, cirugías, juicios, cirugías, chantajes, cirugías, escándalos y más cirugías. Pero el es el Rey y siempre será el Rey.

El Carlitos Way del Pop

Luego de la fama viene el descenso. Al parecer esta es una regla oficial como la ley de la gravedad, y es que el Rey del Pop saltó de la tarima artística a los escenarios judiciales tras ser acusado de cometer abusos sexuales en un menor de 12 años, y mientras que su hermana, LaToya, lo condenaba públicamente y sus antiguos empleados aprovechaban para vender todo lo que encontraban en el famoso Rancho Neverland, la prensa amarilla mundial hacia su trabajo, condenándolo, crucificándolo y descuartizando cada palabra en su defensa. Pese a ello, Michael Jackson salió a dar la cara proclamando ser inocente.

Hundido hasta los abismos, el Rey ya no se sentía Rey y había perdido la habilidad para hacer música sencilla, contratando a los productores más caros del planeta, detrás de las nuevas tendencias musicales y alquilando durante meses estudios de grabación a diestra y siniestra. Ahogado de pastillas, la vida profesional del arruinado Yacko se alejaba cada vez mas de la escena artística, con deudas hasta el cuello que se convirtieron en puras acrobacias financieras: pedir préstamos para tapar huecos, aliarse con potentados petroleros, hipotecar las joyas de la corona e intentando chantajear -incluyendo manifestaciones- a su discográfica, ya convertida en Sony Music.

Se había convertido en una pesadilla para los que en otro tiempo le admiraron. Y al mejor estilo de Carlitos Way trató de enderezar su vida con la esperanza de que volviera a lo que mejor sabía hacer, una esperanza que algunos situaban en sus anunciados conciertos en Londres, donde a lo mejor aún podía brotar su vieja magia. Pero no llegó a tiempo.

Con todo, blanco o negro, gay o heterosexual, pedófilo o no, el principio del mundo lamenta la pérdida del último Rey del Pop, un Rey bajo las sombras de su clara piel, que logró cambiar la historia de la música y que ahora se ha convertido en la leyenda negra del nuevo siglo.

El gran asalto de la Banda del Choclito… De rodillas!!!!!!!

2009-04-24T14:12:00.000-07:00

Por: Miguel S. Locatelli

Uno de los sketchs cómicos más recordados de la televisión peruana, luego de haber vivido largos años de control militar y que surgió entre apagones, paquetazos, leche Enci, dólar MUC, y crisis políticas, fue el de “La banda del Choclito”, memorable recreación delincuencial de El Padrino o Los Intocables, que incidió más en la contracultura y el costumbrismo limeño.

“Panamericana Televisión presenta… La banda del Choclito” anunciaba la voz aguarrientosa de Román “El Ronco” Gamez (más tarde reemplazado por Guillemo Rosini) que continuaba con una serie de apelativos estrafalarios a los integrantes de esta mítica e inolvidable pandilla de ineptos; “Con ustedes… el piojo cruel, cara de guante de box, el terrible gorgojo de quinua, el único delincuente de probeta, el popular juanete de minero… Choclito” seguido por el impresentable Guayabera sucia, el envejecido Mapache que figuraba casi como el mudo Harpo Marx, y el más torpe del grupo; Ojitos lindos.

Asimismo, esta secuencia cómica que se presentaba dentro del menú de nuestro emblemático Saturday Night Live, Risas y Salsas, fue ideada por Álvaro Gonzáles, el popular “Guayabera sucia”, quien propuso a Carlos Velásquez, director y libretista del programa en aquel entonces, crear una banda de asaltantes conformada por una sarta de manganzones y liderada por un minúsculo enano, llamado en la vida real Justo Espinosa, más conocido como “Petipan”.

En cada episodio, La banda del Choclito apelaba al ridículo, a una torpeza única y propia de personajes como Cool Mc Cool o el Chapulín Colorado, sazonado con cierta vulgaridad humorística, a través de fallidos asaltos, resondrones, gritos, chapas y lapos.

Como no recordar las muecas de Pedro “Chino” Yufra, quien encarnaba al aturdido “Ojitos lindos” y su caricaturesca representación como uno de los delincuentes de poca monta, estúpido y en ocasiones inocente hasta el hartazgo, el más callado, taciturno y ojeroso Mapache, personificado por el ya fenecido José María Centurión y el desastrado Guayabera Sucia, interpretado por el menos conocido como pedagogo teatral, Álvaro Gonzáles.

Pero sin duda alguna, esta extravagante banda de hampones no podía ser la misma sin la participación del Choclito caracterizado por Justo Espinoza, el popular Petipan de aquel legendario programa cómico llamado “El Tornillo”, que con su bigotito facho y Puro en mano, sacudía a golpes reales a todos los miembros del legendario grupo de maleantes.

Choclito alimaña y sin mucha maña

En efecto, la temática del sketchs consistía muchas veces en idear un plan para asaltar casas, robar bancos o estafar a la gente, y este siempre estaba a cargo del malhumorado enano, quien arremetía contra sus secuaces, pero de una manera bastante caricaturesca y obvia, cada vez que estos “idiotas” e “imbéciles” (así los llamaba Choclito) terminaban arruinando el maquiavélico propósito.

Ya han pasado más de 20 años desde que la secuencia saliera del aire y forme parte de la biografía cómica televisiva del Perú, la misma que muchas veces esta basada en aquella típica psicología criolla; la de batir al amigo, agarrar de lorna al menos vivo, o simplemente satirizar lo real.

De esta manera, y gracias a la simpleza de los caracteres, La banda del Choclito alcanzó el éxito que tuvo, éxito que paradójicamente nunca benefició a los actores, hoy olvidados en algún rincón del YouTube o en aquellas esporádicas y madrugadoras repeticiones de ese canal que parece caerse a pedazos como el mismo cuerpo de Michael Jackson.

Y es que, en un país donde verdaderas bandas criminales como, los Sánchez Bedón, Momón, los Injertos o los Destructores sembraron la alarma social en los 80tas, la propia ridiculización de estas fue un claro manifiesto cómico que la masa popular acogió en sus televisores National de perillas y antena V.

The Chollywood true history

En la actualidad, de aquellos actores que interpretaron a los personajes de La banda del Choclito se sabe poco o casi nada, después de que el reciclaje criollo de los años posteriores a Risas y Salsas nos invadiera de Paisanas Jacintas y cómicos ambulantes.

Quizá uno de los últimos testimonios televisivos al más fiel estilo de Hollywood True History versión chola sea el del programa Magaly TV, que mostró ya hace algunos años al mítico Justo Espinoza, como un hombre desquiciado, malo, retraído y resentido social y que vivía en un departamento sucio de la unidad vecinal Nº 3, el mismo que se lo había arrebatado a su verdadero dueño, un anciano de buen corazón que lo alojó al enviudar.

Como sea, La banda del Choclito fue un boom, un clásico dentro de otro clásico como lo fue Risas y Salsas, y que tomó por asalto el imaginario de tres generaciones de peruanos, los mismos que reían cada vez que escuchaban frases como; ¡de rodillas!, ¡apa, apa, que me vas a dar! o !ahora.... les voy a dar chocolate! y que hoy, ni el cable satelital ni la televisión digital volverán a transmitir.

El día en que los Piratas del Rock invadieron Inglaterra

2009-04-02T12:11:00.000-07:00

Por: Miguel S. Locatelli

Cuando Joaquín Sabina dijo en una entrevista que los piratas eran gente decente y que hacían una labor de difusión cultural encomiable, debió haber pensado inmediatamente en el empresario musical irlandés Rohan O'Rahilly, quien a bordo de un viejo barco, reclutó a una serie de Djs para transmitir, sin licencia alguna, el mejor rock and roll de todos los tiempos.

Que hubiese sido del rock de Inglaterra sin la presencia de Radio Caroline, emisora pirata y pionera de la radio musical de la década de los 60, la misma que fue fundada por Rohan O'Rahilly uno de los primeros representantes de los Rolling Stones y creador de aquella mítica banda The Animals de Erick Burdon.

Asimismo, Radio Caroline, nombre que recibió inspirado en Caroline Kennedy, hija del Presidente Norteamericano, Jhon F. Kennedy, inició sus transmisiones un domingo santo de 1964, dentro de un buque anclado frente a las costas inglesas, a través de equipos improvisados, falta de organización, severos pleitos personales entre los Djs, y por supuesto harta marihuana. Pero eso si, ante todo el rock and roll.

Y es que Radio Caroline era el paraíso perfecto, la tierra de los Stones, Jeferson Airplane, Skip Bifferty, The Peppermint Rainbow, The Shangrilas-las, The Animated Egg, The Zombies, etc. el olimpo de los dioses de géneros como la psicodelia, el blues o el rock y que a través de aquellos sonidos introspectivos e irreverentes, alteraba los oídos de quienes sólo sabían tomar el Té.

De igual forma, la historia nos indica que fue Round Midnight de Jimmy Mc.Griffi, la primera canción que esta singular radio emitió a sus oyentes, quienes cansados de los intragables programas que proponía la BBC, a través de sus clásicas transmisiones, sintonizaban dicha emisora comercial, la misma que basaba su éxito en una programación ágil, divertida y teñida de los nuevos ritmos del rock, en los horarios de 6am a 6pm, para luego ser retomada al aire de 8pm, hasta casi pasada la media noche.

Una radio desobediente

Como se sabe, Rohan O'Rahilly inicialmente tuvo que fundar su propia casa discográfica, acto justificable para el más caprichoso de los renuentes, ya que ninguna emisora radial quería dar a conocer nuevos artistas de rock, debido al monopolio de la BBC en la radiofonía inglesa, la misma que sólo se centraba en artistas consolidados y que simplemente dedicaba las tardes de los sábados y los domingos por la mañana a transmitir música joven y en un horario de dos horas, lo cual trajo como resultado la creación de radios ilegales para el gusto de los jóvenes oyentes.

Se estima que Radio Caroline, fue la primera emisora que transmitió a los Beatles bajo su slogan “Tu estación de radio todo el día”, y que Djs como Chris Moore, Roger Day, Tony Prince, Spangles Muldoon, Robbie Dale, Johnnie Walker, Dave Lee Travis and Andy Archer, Tony Blackburn, Simon Dee y el célebre Emperor Rosko, han desfilado dentro de los pasillos de esta vieja embarcación, escenario de la santa trilogía; Sexo Drogas y Rock and Roll.

La Marine Broadcasting Offences Act

Pero no todo fue color, digamos verde, para Radio Caroline, ya que no paso mucho tiempo cuando el General Post Office, organismo del que dependen todas las comunicaciones inglesas, declarara la guerra a la emisora mediante la famosa Marine Broadcasting Offences Act, (Acta de Emisiones Marinas) la misma que obligaba a cerrar todas las estaciones piratas que carecían de licencia para transmitir cualquier tipo de contenido comercial.

Anecdóticamente, luego de haber surgido esta legislación en 1967, el dueño de Radio City, una de las otras emisoras piratas que existían en aquel entonces, fue asesinado. Su muerte significó para muchos la forma mafiosa como operaban algunas grandes organizaciones en Inglaterra. Mientras tanto, seis semanas después, la BBC lanzaba al aire su estación nacional de música pop; BBC1 con una programación semejante a la de Radio Carolina. Y claro, sobretodo legal.

Por ello, así como Radio Caroline, las emisoras piratas cohabitaban con el temor de ser captadas y no sólo tenían al Marine Broadcasting Offences Act como principal enemigo, sino que además debían lidiar con una sociedad inglesa totalmente conservadora que no permitía que sus hijos fuesen influenciados por “la obscenidad y la vulgaridad de la música rock and roll”, sin olvidar por supuesto, la amenaza que significaban para las empresas constituidas de radiodifusión.

La película The Boat That Rocked

Pese a todo, Radio Caroline, la misma que posteriormente se fusionara con la nueva competidora Radio Atlanta, ha sido una de las estaciones piratas más importantes en la historia de rock y precisamente su leyenda será llevada a la pantalla grande a cargo del director Richard Curtis, el mismo de “4 Bodas y un Funeral” y ”Notting Hill”.

Sobre el film, titulado The Boat That Rocked, Barco Encubierta, se sabe que se estrenará a principios de abril en Reino Unido y que entre los protagonistas que le darán vida, figuran Hill Night, Kenneth Branagh, Nick Frost, Emma Thompson, Rhys Ifans y January Jones.

De esta manera, esperamos que la comedia The Boat That Rocked se estrene pronto en Lima, de lo contrario estimamos que los piratas de películas se harán cargo.

La oscura inocencia de Bettie Page.

2009-03-18T14:38:00.000-07:00

Por: Miguel S. Locatelli

Bella, inocente, sensual, deseada, carnal… los adjetivos son insuficientes para quien fuera, quizás una de las mas celebres Pin-up de los años cincuentas en Norteamérica, hablamos de Bettie Page, esplendorosa encarnación del erotismo prohibido.

Dotada de un cuerpo sensualmente apasionado, una morena y larga cabellera, ojos azules puramente seductores, y una sonrisa fielmente inocente, Bettie page nunca alcanzó su ilusión de ser estrella de cine.

A lo mucho, y para gracia de la industria grafica erótica, Bettie logró convertirse en una de las chicas favoritas de los hombres que consumían revistas y fotografías clandestinas que, en aquel tiempo, se vendían bajo cuerda o por correo.

Del mismo modo, muchos de los cromos pictóricos en los que posó esta sensual reina del fetichismo, el bondage y el spanking, inspiró un paradigma de goce en protagonistas femíneos, así como también el deleite de culpabilidad que se mantenía oculto bajo la superficie.

Son inolvidables las escenas en donde Bettie, engalanada de aquella lencería al más fino sadomasoquismo; medias largas de seda, zapatos de tacón aguja y ligueros, sometía a sus desprotegidas victimas, atadas y enmudecidas, esperando por aquel látigo erótico que las hacia estremecer hasta el último espasmo.

En cuanto a su infancia y pubertad, tal vez Marilyn Monrroe la comprendería; criada en un orfanato, padre alcohólico, madre demente, abusos paternos, tres divorcios, juicios, escándalos, Playboy, fotografías y más Bettie Page.

Sin embargo, hoy queremos rendir homenaje a la que en vida fue uno de los más celebres iconos sexuales de Estados Unidos de la primera mitad del siglo XX, Bettie Page, fallecida recientemente el año pasado en los Ángeles a causa de una neumonía, y que en su legado pictórico nos hereda lo mejor de su juventud, impreso en papeles religiosos que deben estar adornando algún bar.

Finalmente, la popular Miss Enero de la revista Playboy, debe estar empinando el codo tal vez escuchando el triste tema Really got the blues, junto a otro celebre... Heinrich Karl Bukowski.

¡Que pase la gata……!

2009-03-02T12:36:00.000-08:00

Por Miguel S. Locatelli

Los amores no correspondidos son aquellos que nos encadenan, nos llevan a soñar en el romance que para algunos puede significar la más fina característica del conocido “amor serrano”, o simplemente rememorar aquella vieja caricatura de antaño; Krazy Kat o la Gata Loca.

Al más fiel estilo de los programas de Laura Bozzo, Krazy Kat, tal vez sea un dibujo poético, el cual ocupa un lugar privilegiado en la memoria de aquellos, hoy jóvenes peruanos ochenteros, que a ritmo de noticieros matinales y coches bomba, despertaban para prenderse del televisor a las nueve de la mañana.

Todo comenzó en el año de 1910 cuando George Harriman, bosquejó una gata totalmente magullada por un ladrillazo, que un insignificante y petulante ratón había lanzado, simplemente para llenar uno de los espacios de cierta historieta en la que, por aquel entonces, el dibujante trabajaba.

Sólo basto cuan tamaña y mal intencionada acción para que aquella romántica gata quedase flechada de una vez por todas de su panzudo amor platónico y así, de esta forma, se impregne en el mundo de la historia animada, uno de los amores más bizarros.

Por ello, la gata loca se centra en el famoso “Más te pego más te quiero”, muy nutrido por nuestra televisión peruana, y en cierto sadomasoquismo, que sin lugar a dudas se muestra mucho más entretenido a través de las sátiras que aquellos personajes.

Y es que en efecto, la gata loca sólo será de aquel ratón que, literalmente, la hace ver estrellas y que para ella cada golpe significa un acto de amor, dejando de lado los besos los abrazos y las caricias por el siempre ladrillo en la cabeza.

Así pues, no por menos nuestra santísima y bondadosa gatita, abocada a su queridísimo ratón Ignacio, quien posee las más exquisitas cualidades que toda gata puede buscar, al punto de traicionar su propia especie; arrogante, roedor, avaro, egoísta, cínico, violento, corrupto, misógino y antisocial. Es decir toda una joyita de verdad.

Sin embargo, cabe resaltar que fue una de las pocas historietas que levantó la atención y la estima de algunos intelectuales de la época, como el poeta, pintor, ensayista y dramaturgo estadounidense Edward Estlin Cummings, quien además escribió el notable prólogo encomiástico para la primera recopilación de la obra.

YO AMO EL PELIGRO

2009-01-03T17:03:00.000-08:00

Todo comenzó en el año de 1966, un fondo musical y el deletreo de un nombre protagonista iniciaba la cortina de presentación; “Cero…Doble cero” “Ce ó ó” “Ce doble ó ele… Ce, doble ó, ele mac…” y en pantalla, un personaje marcado por la incompetencia, la torpeza y la mala suerte, pero que sin duda alguna, hizo amar el peligro a muchos niños y jóvenes de generación. Con ustedes Cool Mc Cool

Tal vez el primer alter ego de James Bood en la historia de los dibujos animados sea Cool Mc Cool; un escuálido detective de bigotito y cabello engominado, hermano de sangre del mismísimo Batman, creado nada mas y nada menos que por Bob Kane y producido por King Features, y que empezó a transmitirse en EEUU por la cadena NBC en el año de 1966 con tan sólo 38 capitulos.

Este antihéroe que siempre intentaba luchar contra el peligro y resolvía los casos de forma casual, era uno de los dibujos preferido por la generación de los 80 en Sudamérica, en especial en el Perú, allá por los años del terror, los coches bomba y los apagones. Obviamente ni el gobierno más afectado contrataría los servicios de este peculiar personaje de la tira cómica. A no ser para matarnos de la risa.

Como sea, allí estaba McCool, y con él una serie de los más desopilantes villanos que han pisado la faz de la tele, a saber: Rastrero que, como todos saben, es un bandido que está siempre escondido, Jak el muñeco (Jak in the box), el Chiflado, Greta Vampira y, por supuesto, el gordo Huracán, que lleva adentro más aire que pan. Enemigos con características muy parecidas a los del hombre murciélago.

De forma casi análoga, cada capitulo oscilaba entre la misma temática: el héroe fracasado que trata de luchar contra en crimen y los villanos que tratan de conquistar el mundo. Pero Mc Cool no es el único personaje en estas inconstantes misiones, su jefe, el Nº 1, a quien nunca, en toda la serie, se le delata el rostro y pasa el mayor tiempo posible acariciando a su gato mientras se fuma los últimos mechones de un puro, se dedicaba a meterlo en los más intrincados casos.

Finalmente, a bordo de Cool Movil, el teléfono bigote, el revólver que nunca usaba y un ingenio que más bien era el descuido de los bellacos, solucionaba el asunto en medio de las carcajadas de miles de espectadores infantiles tras la pequeña caja boba.

Allí, Mc Cool hizo historia, en aquellos recuerdos plagados de cera de vela, terrorismo y pobreza, enfundados en nuestros pijamas de Popeye, casi redondos de niñez, cantando la misma tonada sin pecar de ilustrados "No tengo suerte, soy fatal / pues a mí todo me sale mal / pero un día mi suerte cambiará / seré fuerte y sagaz / y entonces seré igual / Ahhh que mi papá". La insistente tonada se pierde entre mil ¡Bangs! ¡Crash!, McCool siendo expulsado por su jefe por imbécil. Y nosotros allí, prestos como nunca a no crecer. A creer.

COMPROBACIÓN DE LA HIPÓTESIS

2009-01-03T16:40:00.000-08:00

A pesar de que la marihuana como planta alucinógena en sí misma no representa contracultura alguna, su uso especifico por personas especificas (poetas, pintores, soñadores en general) puede llegar a considerarse una oposición directa al sistema establecido, que encuentra en sustancias no menos perjudiciales como el tabaco y el alcohol, a sus cómplices drogas legales frente a las que la marihuana se presenta como alternativa contracultural.

La presente investigación ha esclarecido la constante evolución del uso de esta hierba dentro de círculos marginales, intelectuales e incluso místicos. A diferencia de las demás sustancias consideradas como drogas por la sociedad, el cannabis es por decirlo en forma amena un “regalo de la naturaleza” que no genera redes de narcotráfico ni remotamente similares a las de la cocaína, heroína, entre otras que por su amplia generación de divisas podría considerarse como parte del sistema al registrarse bajo las leyes convencionales de la oferta y la demanda que la contracultura underground rechaza.

Así mismo, su consumo puede llegar a considerarse un rito (absurdo o no, en este caso da lo mismo); los pasos previos a fumar marihuana: las pipas y los papeles de arroz asemejan el proceso al de las tribus rompiendo cualquier parámetro posible que haga alusión a status social alguno lo cual, es de por sí, una innegable posición contracultural.

La historia expuesta en estos cuatro capítulos nos ha demostrado algo muy singular: mientras que el alcohol y los opiáceos sirvieron como armas desmesuradamente autodestructivas para muchos brillantes artistas e intelectuales, la marihuana se ha presentado como una alternativa más positiva y mística. A diferencia de las primeras sustancias mencionadas, el fumar hachis, para los escritores y artistas no tuvo como fin escapar del dolor cayendo en un escepticismo existencial que llevaría, a muchos de ellos, al suicidio sino por el contrario simbolizó la búsqueda de alternativas perceptivas frente a las ortodoxas formas de conciencia defendidas por el establishment. Otra manifestación de evidente contracultura.

No olvidemos tampoco que la contracultura, como heterodoxia que es, muestra una diversidad de formas para un mismo fondo. El arte que la ha representado ha mantenido una lucha contra el arte académico que ha pesar de coincidir en la forma de expresión, sus fondos respectivos son heterogéneos de manera irreconciliable. Es así que la cultura underground mantiene una evolutiva lucha constante que le permita no ser adaptada como le sucedió al rock and roll, música de influencias negras que tras escandalizar a la sociedad norteamericana a mediados de los años cincuenta terminó por formar parte de las poderosas industrias capitalistas que representan al sistema que alguna vez se opuso

Pero la marihuana es diferente porque esta al margen de comercios menores, no forma parte de industria alguna y es hasta la actualidad relacionada con movimientos radicales como los hippies, los beatniks, el vanguardismo y la bohemia en general lo cual revelaría, que es la sociedad misma, la que considera a la marihuana, a excepción de las demás drogas existentes en el mercado negro que no representa expresión ideológica alguna, como un camino antagónico al sistema establecido; contracultural en suma.

2008-12-08T12:37:00.000-08:00

CAPITULO FINAL

EL MOVIMIENTO HIPPIE

Por: Miguel Sánchez Locatelli y
Cesar Sánchez Torrealva

El fenómeno de la droga en sus términos actuales se remonta al renacimiento del movimiento hippie. En los años sesenta empezaron a aparecer en Estados Unidos nuevas posturas críticas respecto al sistema socio político, que pronto echaron raíces entre un sector de la juventud. Los valores consumistas, las comodidades fáciles y el contenido materialista de las sociedades avanzadas eran rechazados en aras de un ideal diferente.

A la violencia, al individualismo al dinero, al trabajo alienado, se contraponían nuevos valores basados en la solidaridad, el pacifismo, la vida en común y la primacía del placer sobre el trabajo.

Este sector de la juventud reivindicaba, e intentaba implantar un nuevo modo de comunicarse y en una nueva sensibilidad que pronto empezaba a manifestarse con la creación de su propia música, su literatura, su pintura, etc.
Este nuevo espíritu juvenil encontró su apogeo en las grandes concentraciones hippies de los años sesenta.

El rechazo del sistema social adquirió formas variadas, desde las manifestaciones por cuestiones políticas como la guerra de Vietnam, hasta las protestas universitarias contra el sistema educativo. La ruptura con las normas sociales establecidas se materializó en una nueva forma de vestir, de relacionarse y de vivir. Frente a la moral tradicional, se reivindicó el derecho al propio cuerpo, la libertad sexual y el amor libre.

Por un lado, el intento de encontrar nuevos estímulos sensoriales, y el rechazo de las normas culturales y legales vigentes, confluyeron y se aglutinaron en torno a un fenómeno nuevo que sirvió a la vez de desafío a la moral establecida y de medio para ampliar las percepciones y sensaciones físicas.

Este puente lo constituyeron las drogas ilegales, cuyo consumo tuvo en sus inicios unas claras connotaciones de rechazo a los valores establecidos, convirtiéndose en un símbolo para los jóvenes contestatarios que expresaban así su anticonformismo y oposición al sistema. Por otra parte, la droga se convirtió en la señal que identificaba y unía a este tipo de juventud.

Durante la década de los años sesenta las drogas ilegales se convirtieron en un símbolo contestatario y un desafío a la moral establecida. El desencanto y el pesimismo de los años 80 trasformaron ese símbolo en un mero recurso para evadirse de la realidad.

IV.1 El desencanto de la juventud

La década de los sesenta alcanzó su expresión más crítica con la rebelión estudiantil de mayo del 68. Toda Europa se vio sacudida por la nueva ideología de cambio que enarbolaban los jóvenes. Posteriormente, surgieron nuevos caminos en el movimiento de contestación juvenil: uno de ellos fue; por ejemplo la creación de las comunas.

La grave recesión económica iniciada a mediados de la década del setenta agudizo los problemas de toda índole en numerosos países, y la confianza en las posibilidades de ruptura levantada por la juventud de los años 60 desapareció, dejando un impresionante vacío. Los jóvenes comprobaron la capacidad del sistema para soportar la protesta y admitir, deformadas, algunas de sus ideas trasformadoras de las costumbres.

El espíritu de los jóvenes, a comienzos de los 80, era pesimista y el desencanto se había generalizado. Todo ello se plasmó en el llamado pasotismo (actitud que consiste en marginarse por la vía de la pasividad y evitar todo posible compromiso)

Los grandes objetivos de transformación social quedan ya muy lejos. Como resultado de todo ello, ha variado el valor simbólico que la droga tenía para un sector de la juventud.

Los descendientes del movimiento hippie siguen en desacuerdo con el sistema, pero sólo para algunos la droga es un símbolo de lucha. Para otros muchos constituye un mero recurso que facilita la evasión, la huida, aunque continué sirviendo de emblema diferenciador y signo de identificación de ciertos grupos.

IV.2 Realidad actual

El consumo de la droga se ha extendido actualmente a muchas personas y grupos que lo utilizan sin ninguna intención contestataria ni significado revolucionario, sino más bien porque esta de moda o como requisito de progresismo, y fundamentalmente, por la presión a que se ven sometidos los jóvenes por las grandes organizaciones internacionales que producen y distribuyen la droga. Los grandes ingresos que estas obtienen de su comercialización son una poderosa razón para mantener y reforzar su consumo.

Es fácil comprobar que muchos jóvenes que se drogan con frecuencia carecen de razones claras para ello. Sus motivos son ambiguos y simples; toman droga para “estar mejor”. Este consumo es indicativo de la existencia de un malestar entre la juventud, indefinido, pero general. El aburrimiento y la monotonía pueden ser una razón que lleve a la búsqueda del placer fácil, y el descontento general a la búsqueda de la evasión.

Para intentar la superación de estas situaciones, los jóvenes tratan de ampararse en la droga. Sus efectos desinhibidores crean una amplificación de toda la sensibilidad que se materializa en un estado anímico de euforia y relajación.

Las alucinaciones y otros efectos psicológicos permiten al individuo la creación de una realidad ficticia en la que se siente minimamente seguro y tranquilo. No obstante, los jóvenes son consientes de que la droga no resuelve sus problemas ni aporta soluciones definitivas, pero les sirve para aislarse hasta cierto punto de una realidad que les produce frustración.

2008-11-30T15:51:00.000-08:00

CAPITULO III

LA DROGA COMO CAMINO

Por: Miguel Sánchez Locatelli y
Cesar Sánchez Torrealva

No es nada nuevo ni es propiamente (en su origen) una historia contracultural, la búsqueda, a través de distintas drogas, de una conciencia abierta, o de la conexión, en otras palabras, con lo que cada cultura entiende por sobrenatural.
La mayoría de los pueblos primitivos han utilizado (y utilizan) alguna droga para entrar en contacto con la otra realidad, con el mundo tal como es en sí, con la otra vida. Eso hace que el camino de las drogas haya sido, esencialmente, sagrado.

Fueron los artistas y poetas del romanticismo, los primeros en utilizar las drogas en función de experiencia creadora, en el fondo muy similar a la de los primitivos, pero con conciencia notablemente menos sacral. Después, y en círculos aristocráticos, las drogas pasaron a ser entretenimiento, morbo, placer y ahí (cuando nada se busca en ellas, sino el arriesgado pasatiempo) empieza su lado asocial, hoy tan discutido.

Porque evidentemente la actual contracultura, que sin duda se interesa y frecuenta las drogas, ha recibido en su seno las dos tendencias. De un lado, la droga como experiencia trascendente, la búsqueda (a través de la marihuana, del LSD o de otras sustancias) de una apertura de conciencia: ver mejor el mundo, sentir más las realidades que nuestros embotados sentidos (cerrados por una sociedad represiva) no logran captar en función de ayuda, de la droga como experiencia creativa controlada.

Tal como Henry Michaux escribió “Miserable milagro” sobre la mezcalina, o Aldous Huxley, en tantas cosas un escritor contracultural, su libro “Las puertas de la percepción”, tras experimentar también con la misma droga, continuando luego en “Cielo e Infierno”. Serviría, asimismo, en tal dirección el libro “Opio” de Jean Cocteau, con la diferencia de que aunque el autor francés nos narra su experiencia con la droga, su afición a ella procedía del ambiente frívolo, mucho más que del propio afán experimentador.

Pero de otro lado, la actual contracultura ha heredado asimismo la concepción de la droga como diversión. No hay aquí la menor función sagrada, ya que la droga para quienes la toman para sobrevivir (como el alcohol) es esencialmente profana. Aunque no se nos oculta que la moderna civilización tecnocrática ha convertido los escasos ocios de sus subordinados (digamos el sábado por la noche) en una rutinaria, pobre y estandarizada fiesta ritual, y en tal sentido sacra.

La droga como estimulo, la droga como solución a problemas de depresión o de vació existencial es, utilizando el referido titulo de Michaux, un miserable milagro, ya ninguna droga es una solución en sí misma. Potencia la creación si el ansia y la lucidez creativas existen ya en el individuo; potencia el goce si ya el júbilo existía en la persona. De lo contrario es simplemente (y ello dependiendo mucho de la clase de droga que sea) un camino seguro hacia la autodestrucción.

No se trata pues de estar a favor o en contra de las drogas, sino sencillamente de saber usarlas, y de usarlas con alguna clara finalidad. Si no conducen evidentemente a la atrofia, a la estupidez y al vacío.

Claro que no hay que confundir al que usa las drogas con el drogadicto de estampa, como no se confunde el degustador de caldos, con el borracho callejero.

III.1 Drogas Blandas y Drogas Duras

Serían drogas blandas las que, aún produciendo cierta adicción (no más que el alcohol o el tabaco), no se consideraban dañinas para el individuo, ni siquiera pensándolo como ente social y por lo tanto la legalización de su uso, aparte de abaratarlas y de evitar el mercado negro y el trafico clandestino, no redundaría en prejuicio ninguno para la colectividad, y aún sería un agradable estimulo para la creatividad individual. Estas drogas serían en general las fumables: hachis y marihuana (llamada comúnmente yerba) sobre todo.

Se las considera a estas drogas naturales, ya que en su elaboración no interviene (o es muy escaso) el proceso químico. En la misma onda, aunque con efectos mucho más fuertes, estarían otras drogas alucinógenas, como el peyote, la mezcalina o el LSD (ácido lisérgico), esta última, netamente química.

El LSD, desde que lo divulgara su profeta, Timothy Leary, ha sido la droga visionaria por excelencia, y está unida a ciertas manifestaciones de la música rock y aún del arte pop de los años sesenta. Al ácido se le puede aplicar el mismo rasero que al hachis, al kifi, muy consumido en países árabes, o a la marihuana. Su abuso, como en el alcohol, puede ser anulante y catastrófico.

El visionarismo sin por qué (o en situaciones psicológicas débiles) puede concluir en depresiones agudas y malos viajes, pero su nocividad, evidentemente, es muy relativa. El problema de estas drogas en realidad es la educación y cultura de quien las usa. En definitiva, en saber comedirlas y utilizarlas.

Frente a las drogas blandas, las drogas duras se las
considera, sin mayor análisis, nocivas, perjudiciales en alto grado para el individuo y para la colectividad, y que crean, por supuesto, una fuerte adicción. Y si tal adicción no satisface su síndrome de abstinencia produciría violencia y con ella mil problemas delincuentes. Hablamos de drogas químicas, fabricadas por sublimación de productos naturales, aumentando en mucho su poder.

La morfina y la heroína (vulgarmente denominada caballo) proceden del opio; la cocaína, de la coca. Las dos primeras fueron utilizadas en medicina como anestésicos o calmantes.

La cocaína, que es sumamente distinta de las anteriores, es un estimulante. La morfina y heroína son drogas de crisis, drogas letárgicas, que tras un inicial flash, tras un primer deslumbramiento al ser inyectadas en vena (aunque la heroína también puede esnifarse, absorberse a través de los conductos nasales) llevan al individuo a un placentero y anonadante estado de vacío, de nada.

Son drogas, pues, suicidas, propia de quien busca autodestrucción en un mundo que no lo satisface. Es fácil condenar al heroinómano o al morfinómano; hay que comprender, sin embargo, la tremenda carga de frustración (hacia sí o hacia el mundo) que suele conllevar esa adicción.

La cocaína es otra cosa. Digamos que es una más refinada manera de estimulantes como las pastillas que tantos estudiantes toman en épocas de examen. Su peligro, evidentemente, está en su fuerza y sobre todo en su uso malo o excesivo. El problema de las drogas es, en cualquier caso, un asunto complejo que no debe zanjarse con la condena.

III.2 William S. Burroughs: El camino del “Yonqui”

Junkie (pronunciado yonqui) es el nombre que se da comúnmente en ingles al heroinómano que se inyecta droga. El yonqui es un tipo clásico de ciertos barrios neoyorquinos: desarrapado, abstraído, frío, en busca siempre del “caballo salvador”.

Yonqui es también el titulo del primer libro publicado por el norteamericano William S. Burroughs, en 1953, narrando, en un estilo frío sus aventuras de yonqui por Nueva York, una vida sórdida y sublime.

En un primer momento podríamos pensar al leer la obra y considerar la figura de Burroughs, nacido en Saint Louis en 1914, amigo y compañero de la Beat Generation, que su contacto con la contracultura es marginal, o aún que Burroughs no es un autor contracultural.

Sin embargo su influencia ha sido creciente, y marca quizás hoy en día un tono más pesimista, pero no menos cierto, de eso que, muy ampliamente, denominamos contracultura.

Burroughs no tiene el lado místico, ni aventurero, ni multitudinario que según vimos, tuvieron amigos muy íntimos de él como Allen Ginsberg (destinatario de sus cartas del Yale, relatando aventuras con droga en Sudamérica) y Jack Kerouac, que le sugirió el titulo de la que es su más conocida y extraña novela “El almuerzo desnudo” (1959).

Pero la literatura de Burroughs, formalmente más complicada (utilizando técnicas de collage y mezcla de planos narrativos) y cuyo argumento esencial proviene del mundo experiencial y visionario de las drogas duras, o del erotismo más heterodoxo (por ejemplo el pasaje más conocido de El almuerzo desnudo, titulado “La sala de juegos de Hassan”, o la novela “Los muchachos salvajes”) es la representación más fuerte del individuo que, en un mundo feroz y tremendamente hostil, trata de salvar y ejercer sus derechos a la individualidad más absoluta (representada precisamente en la droga y en el sexo más prohibidos) y la imagen también de una contracultura urbana, nada hippy, que hoy tienta por lo que tiene de consagración del pesimismo, a muchos jóvenes y a quienes no lo son tanto.

El mundo de Burroughs, aunque servido en un vehículo literario de notable calidad, es áspero, seco a veces, frío como de luz lunar, sórdido frecuentemente, pero en todo ello hay una lucida e individual protesta.

Y en ella descubrimos que junto a una contracultura optimista, que cree en un futuro de claridad, hay otra pesimista, que se desliza por callejones oscuros buscando droga (heroína), que no cree en nada, que no espera nada, que no ama nada, y que vista objetivamente, un tanto desde fuera o desde arriba, debía resultar un tremendo revulsivo contra un mundo tan absolutamente sucio e imperfecto como el que vivimos.

Por supuesto que el yonqui no es ningún ideal heroico.
Pero deberíamos plantearnos la dosis de horror y de amargura hacia la vida que debe tener alguien para representarse a ese ser miserable, pobre, sucio, frígido, que busca sólo la inestabilidad y la nada, como un ideal o como una meta deseable.

El yonqui es la protesta del piloto suicida japonés en la última guerra, la protesta del kamikase, que William Burroughs expone en libros extraños, nuevos y testimoniales. Burroughs fue, sin duda, un contemporáneo capital, un testigo absoluto de nuestro terrible tiempo.

2008-11-22T12:32:00.000-08:00

CAPITULO II

CULTURA EN CONTRA

Por: Miguel Sánchez Locatelli y
Cesar Sánchez Torrealva

El término contra cultura procede de la traducción literal del ingles counter culture como resulta fácil de percibir, sin embargo su significado representativo, o expresivo si se quiere, va mas allá de estas simples palabras acuñadas. En todo caso es conveniente señalar que el concepto de cultura no corresponde a elite intelectual alguna. No, la cultura es un todo, un todo disgregado que se respira en cada instante cuando observamos el comportamiento de alguna colectividad humana regida por pareceres, actitudes y expresiones homogéneas. De esta manera, la contracultura ser opone a lo asimilado, a lo aglutinado, a lo establecido; en suma a todo aquello que se masifique al hombre dentro de un “blog cuadriculado” del cual esta nueva cultura pretende escapar.

Las personas que poseen alguna noción al respecto pueden fácilmente relacionar a esta cultura alternativa con una década de flores y cabellos largos ya pasada y en concepto podría decirse que esa percepción no tiene porque se asumida por equívoca mas sí insuficiente porque la historia de esta “oposición existencial” germinó mucho antes de Woodstock y la llegada del hombre a la luna. Como prueba de ello bastaría con señalar que las más destacadas figuras espirituales como Jesús o Buda mostraron una abierta posición antagónica con respecto al sistema establecido en sus respectivos tiempos o espacios. Como prueba de ello proponemos continuación una cronología de los principales movimientos artísticos, intelectuales y filosóficos que a través de la historia se opusieron a la cultura predominante

II.1 Primeros referentes

Goliardos

En el siglo XII bajo un gran fervor cultural en Europa surgían las primeras catedrales y la burguesía progresista se oponía a los poderes feudales. Había trovadores y cortes de amor en los castillos así como juglares que recorrían pueblos y plazas cantando sus historias. Pero ese mundo estaba sometido a dos grandes poderes que se disputaban la hegemonía absoluta. De un lado la iglesia y al otro el imperio.

Es bajo este contexto que los Goliardos intelectuales y estudiantes tratan de gozar del mundo y de la sabiduría, en lo posible, ajenos a estos dos grandes focos de poder. Inician pues una especie de peregrinaje en busca de los grandes centros culturales del momento pero “entreteniéndose” en el camino, en tabernas y burdeles. Discuten, cantan y buscan compañía en las emociones más reprochadas por su sociedad.

Precursores románticos

Es en Inglaterra donde los escritores romanticistas mostraron una actitud más desenfadada frente al orden establecido de su tiempo como lo podemos percibir en poetas como Lord Byron que desafió a la propia corona inglesa.

Quizá podamos referirnos a algunos escritores y poetas románticos de comienzos del siglo XIX como los primeros en iniciarse en la experiencia de los alucinógenos, buscando estados de conciencia iluminados, sueños y visiones que les llevasen lejos de una realidad circundante que, muy a menudo, juzgaban de misérrima. El más ilustrativo referente podemos hallarlo en el poeta ingles Samuel Taylor Coleridge que inicia el romanticismo lírico en Inglaterra. Se estima que Coleridge ingería laudano (solución hidroalcohólica del opio) para combatir malestares de tipo nervioso relacionados con el sueño y sus pesadillas.

El maldito de Rimbaud

En el siglo XIX la sociedad europea era otra a la opuesta siete siglos atrás; ahora, el acelerado avance industrial, así como la consolidación de la casta burguesa colocaban al artista en una posición de marginalidad que este acepta. Y surge así el escritor maldito, que se cubre de galas y suntuosidades para acentuar su desdén al mundo habitual, su aristocrática disidencia.

Jean Artur Rimbaud, hijo de una familia burguesa de Francia, es considerado el principal exponente de una “tribu de escritores malditos”. Tras ser alumno ejemplar durante la etapa escolar, Rimbaud descubre a los nuevos poetas franceses que editaban el parnaso contemporáneo: Theophile Gautier, José María de Heredia y el más joven de ellos Paúl Verlaine.

Inspirado en la rebeldía de estos escritores, Rimbaud empieza a escribir sus primeros versos así como va despojándose de su imagen de niño modelo para adoptar una postura irreverente e intelectualmente violenta.

Antes de cumplir la mayoría de edad, el poeta abandona sus estudios y hogar, para internarse en el submundo literario francés donde conoce a Verlaine con quien vive un apasionado romance.

En 1874, a la edad de 20 años y después de escribir sus mas grandes legados: “Una temporada en el infierno” y “Las iluminaciones”, Rimbaud renuncia al oficio literario para llevar una vida de trotamundos que lo llevaría a inhóspitos lugares como El Cairo donde ejercería oficios de dudosa reputación moral.

A pesar de esta deserción creativa, el poeta nunca renuncia a su afán de búsqueda de una existencia apasionada, nómada y sobre todo contestataria que finalmente le valdría, a través de los años, mantener intacta su imagen de muchacho rebelde que nuca se acopló al molde. Una posición contracultural sin duda alguna.

El Surrealismo

Luego de la primera guerra mundial se produjo en Europa una especie de neorenacimiento que simbolizaría las desenfadadas ganas de vivir de lo que se llamaría “los locos años veinte”.

En lo artístico la corriente que tardaría poco tiempo en predominar sería la conocida como Vanguardismo (caracterizado por su hermetismo, experimentación técnica y afán de originalidad)

Dentro de los diferentes ismos que comprendida la vanguardia (futurismo, dadaísmo, cubismo, etc.) podríamos considerar al surrealismo, como el representante de un choque frontal con muchas cosas como opositores de las normas acartonadas de la moral burguesa, expresándose a través de un real estallido del color.

Así también apelaron al fondo del subconsciente humano trabajando la imagen onírica: “una cosa nos sugiere otra con la cual, aparentemente, no guarda conexión, como sucede en los sueños”. Para los surrealistas todas esas imágenes, racionalmente inconexas, guardan alguna extraña pero exacta relación en el mundo íntimo de nuestro subconsciente y por lo tanto de nuestra vida.

En el aspecto literario se desarrolló la escritura automática a través de la cual el escritor podía expresarse sin control racional alcanzando así grandes logros de expresividad y simbolismo insospechados hasta entonces.

II.2 La Generación Beat

Es sin duda el movimiento más representativo artísticamente hablando surgido en Norteamérica en los últimos 58 años. Hijos de la guerra y la más ortodoxa tradición americana, los beats simbolizaron el error y la desconfianza de la generación atómica encontrando en poetas como Allen Ginsberg, Gary Snyder y Lawrence Ferlinghetti a sus máximos exponentes líricos que marcaron leyenda en recitales salvajes y apasionados que se conocieron como “El renacimiento de San Francisco”.

En prosa destacaron los novelistas Jack Kerouac y William Burroughs con un estilo narrativo tan revolucionario como su temática inspirada básicamente en experiencias personales que buscaban relatar de la manera más sincera y directa su percepción frente al país, su gente, sus lugares, su política y a la vida en general.

Kerouac sustentó los principios de lo que él llamaría “prosa espontánea”; en una edición de la respetable revista norteamericana The New Yorker en donde comparaba la labor del escritor con la de un órgano sexual: “Se debe escribir con fuerza, con una energía interna que nos lleve a sentir los mismos espasmos que percibimos en el máximo esplendor de una relación sexual”

Tras su apogeo en los años cincuenta, los beats fueron tomaron senderos heterogéneos tanto en su obra como en sus vidas personales, sin embargo cabe mencionar el protagonismo de algunos de sus integrantes como Allen Ginsberg y Lawrence Ferlinghetti en la cultura juvenil de los años sesenta.

Algunos textos en concreto sirvieron como Biblia o manuales de vida para la generación de las flores; novelas como On The Road de Kerouac o Junkie de William Burroughs se convirtieron en libros de cabecera para muchos jóvenes que con collares y cabellos largos invadieron las calles de San Francisco, pero fue el poema Howl de Allen Ginsberg el más paradigmático manifiesto de esta generación.

II.3 La metafísica psicodélica de Timothy Leary

A inicios de los sesentas el catedrático de Harvard, Timothy Leary, se pierde en un inhóspito desierto mexicano donde es auxiliado por unos nativos quienes le dan a probar algunos hongos alucinógenos. Al volver a su país, Leary decide conocer más acerca de “experiencia mexicana” y accede a los laboratorios farmacéuticos de la universidad descubriendo el LSD25 una sustancia psicoestimulante capaz de generar alucinaciones.

Fascinado por los efectos, el doctor decide ir más allá y lleva sus experiencias al salón de clase compartiéndolas con sus alumnos, lo cual le valdría ser expulsado de la universidad. Una vez fuera de los parámetros académicos Leary y sus seguidores (intelectuales destacados en su mayoría) se atrincheran en la mansión Milboork donde realizarían una serie de psicoexperimentos de los cuales nacerían los primeros preceptos de la psicodélia que finalmente desembocaría en el hippismo.

Hasta 1967, Leary es considerado el principal representante del movimiento de las flores publicando una serie de libros y revistas donde detallaba sus ideologías. Tras una serie de arrestos y demás problemas legales pasa esporádicamente a la clandestinidad y de manera paralela lucha por la creación de la “Liga del Descubrimiento Espiritual” (las siglas en ingles eran LSD) donde el uso de estupefacientes estaría permitido como sagrado sacramento religioso.

Al margen de lo polémico de sus ideas y actitudes es innegable que el doctor Timothy Leary fue quizá la figura contracultural más provocadora del siglo XX, lo cual le valió ser considerado el hombre más peligroso de América según el presidente Richard Nixon.

A lo largo de la década del sesenta surgió un gran número de movimientos y tendencias contraculturales entre ellos el más representativo y recordado sin duda alguna fueron los Hippies. A su vez destacó también el movimiento psicodélico bajo la filosofía de Leary y Ken Kesey. Ambos movimientos encontraron una gran similitud e inclusive se sirvieron de complemento uno al otro en sus inicios, sin embargo al finalizar la década las perspectivas ideológicas chocaron hasta volverse casi incompatibles; la psicodelia continuó pregonando el viaje dentro de la mente lo cual fue asumido como una posición muy ortodoxa por los hippies californianos de Haight Ashbury que se trazaban objetivos más tangibles y menos individualistas como la unión y la comprensión de los hombres fuera de las normas y leyes sociales.

2008-11-17T10:53:00.000-08:00

MARIHUANA Y CONTRACULTURA
Por: Miguel Sánchez Locatelli
y César Sánchez Torrealva

FUNDAMENTACIÓN

Un tema casi polémico,tal vez sea el consumo de marihuana,en este aspecto creemos que es importante investigar el fenómeno contracultural de esta; ya que resulta necesario diferenciar su consumo por la vía de expresión de protesta y la de pasatiempo sin un fin exactamente necesario, no dejando de lado la influencia que ha tenido en el arte ya sea de la pintura como la literatura. Tal vez, como último manifiesto contracultural que el mundo ha vivido ha sido el Flower Power (el poder de las flores) en donde la marihuana o el loto, como describe Homero en su obra la Odisea, también estuvo presente como medio de expresión alternativa o de rechazo hacia los estímulos convencionales -por llamarlos de alguna manera- como el alcohol, citando uno de los ejemplos.

En esta última revolución contracultural, la marihuana ha estado bajo recaudo de artistas como Andy Warhol y escritores como Allen Ginsberg y Jack Kerouac, los Beatles y Bob Dylan admitían públicamente que fumaban hierba, el doctor de Harvard Timothy Leary experimentaba con drogas siendo expulsado de esta universidad. Estos son sólo algunos de los tantos ejemplos de la llamada generación de la paz y el amor libre.

Pero ¿Por qué la marihuana? ¿Por qué la marihuana otra vez? ¿Por qué la marihuana siempre? Estas son algunas de las muchas preguntas que la opinión pública suele hacerse cuando el tema de la contracultura es puesta en el tapete. Pues bien, iremos por partes para facilitar la comprensión del lector empezando por descifrar la “relación mística” entre la marihuana y los primeros referentes contraculturales.

No sólo los alucinógenos y las drogas han sido la única vía para el cambio de vida contra el sistema; Gandhi en su revolución lo demostró y los Hippies la adoptaron, propalando paz y amor, en la propia manera de ser y existir, en los alimentos y en el estilo de vida. En cuanto a la religión, cristo y buda tal vez fueron los primeros seres contraculturales.

La conceptualización actual de la marihuana ha sido masificada como algo dañino y consumida sin motivo alguno, además puede ser la monotonía y el ocio un camino hacia las drogas, la falta de ideologías también pueden llevar a consecuencias extremas en el consumo de este tipo de sustancias, sin embargo los conceptos que se brindará a continuación aclarará el panorama de lo que fue la droga para algunos movimientos contra o culturales, lo que es hoy y lo que hoy significa.

CAPITULO I:

MARIHUANA EN LA HISTORIA

Es inútil extenderse sobre esta sustancia que ya todos conocen. El nombre científico de la planta es Cannabis Sativa:”es una planta psicotónica anual que crece en las zonas templadas”. El término marijuana deriva de la palabra portuguesa Muran cuanco, que significa “intoxicación”. Es originaria del Himalaya. Con el nombre de “la que deleita”, el cannabis era considerado el “alimento especial” de los inmortales que “vivían” en lo alto de las montañas de Grecia, de la India y de China. Los Yogi la emplearon muy pronto bien fumándola, bien comiéndola, para concentrarse en la contemplación incorpórea. Los chinos la usaban ya en el año 2008 a.c con fines textiles y en el año 2337 a.c registraron sus efectos en un tratado de farmacología. Herodoto a descrito los baños de Cannabis entre los escitas durante los siglos V- VI a.c y nos ha descrito también las costumbres de una tribu que ponía yerba Kapnobata en una hoguera y se embriagaba respirando su humo de la misma manera que los griegos se embriagaban tomando vino. Hacia el año 500 d.c se propagó por Europa, donde los árabes lo usaban, con fines medicinales y afrodisíacos, con el nombre de Beng; En la edad media era ampliamente utilizado en Persia y el Líbano. Más o menos por esta época los indígenas del África Central aprendieron a fumar haciendo pasar el humo a través del agua; la pipa de hashish sirvió, pues a los fumadores de Kif (así se llamó el Cannabis en el norte de África) desde un principio.

En los Estados Unidos, donde los mexicanos la usaban desde siempre en las ceremonias religiosas o como tabaco digestivo, fue sembrado intencionalmente por el rey Jacobo I para obtener de las plantaciones abandonadas en 1770, cuando los barcos a vapor comenzaron a sustituir a los barcos de vela, nacieron las mieses salvajes, que pronto comenzaron a ser aprovechadas por los mexicanos modernos: su preparación del Cannabis se llamó Mota.

Los años 20 marcaron en los Estados Unidos una acentuada boga del Cannabis, entre los músicos de jazz especialmente y todos saben que en la segunda post guerra, en San Francisco, la marijuana estaba tan difundida como la coca – cola, entre los escritores contemporáneos, como conocidos experimentadores se podría mencionar a Herman Hesse, Aldous Huxley, George Andrews, Paul Bowles, Allen Ginsberg, Jack Kerouac y William Burroughs.

La resina del Cannabis Sativa –el hashis– contiene psicotoxinas, cuyos principios activos han sido llamados colectivamente THC: se comenzó a analizar hacia 1839 y fue aislada a comienzos de los años cuarenta por R. Adams de la Universidad de Illinois, que constató que actúa sobre el sistema nervioso central, no produce hábito, no es alcaloide, produce bienestar y visiones.

La primera injerencia represiva sobre el uso del cannabis fue la militar imperialista de Napoleón, que durante la invasión de Egipto, en 1789, sentó las bases de las leyes contra el hashis, que todavía están en vigor. Finalmente en 1923, el gobierno de Sud África propuso al comité para el tráfico de drogas que el cáñamo indio fuese declarado droga tóxica.

En los Estado Unidos, donde la marijuana
había comenzado a circular en 1910, introducida en sur oeste por los mexicanos había entrado en vigor en 1914 el Harrison Act que solamente se ocupaba de los opiáceos. La primera ley que se ocupó explícitamente de la marijuana fue la Marijuana Tex Act, promulgada en 1937 y propuesta y concluida por Harry Anslinger, un ex funcionario en los tiempos del prohibicionismo, que se había quedado prácticamente sin trabajo cuando éste quedó abolido y al cual se había confiado la organización del entonces minúsculo Federal Bureo of Narcotic, cuya misión se limitaba al cobro de las tasas impuestas sobre los opiáceos.

La psicosis impuesta al público por culpa del martilleo propagandístico llegó a ser tan truculenta que, en 1944 el alcalde de Nueva Cork Fiorello de la Guardia, nombró un Comité de investigación cuyas conclusiones concordaron con los suaves resultados a los que en su momento había llegado el viejo comité Anglo – Indio en 1893.
Entre 1963 y 1965 la comisión comenzó a aventurar algunas dudas sobre la peligrosidad del Cannabis y en 1968, después de que en 1967 hubiese habido más de 30 mil arrestos por uso de marijuana, se comenzaron a tener en cuenta las numerosas campañas a favor de su legalización.

El 23 de Marzo de 1972 el Internacional Herald Tribune pareció concluir decenas de discusiones y concluir con calma olímpica el problema de millares de personas arrestadas y encarceladas por el uso de estupefacientes al referir que la Comisión Nacional había decidido “reprimir el uso de la marihuana sin que por ello se considere criminales a sus consumidores”, y había constatado que los daños producidos por la marijuana a la salud eran mucho menores a los producidos por el alcoholismo.

Está claro que la droga, tal como es comúnmente entendida,la propaganda a bombo y platillo por films o publicaciones más o menos sensacionalistas, tiene bien poco que ver con estos discursos que solamente se refieren a las sustancias usadas por los poetas y artistas experimentales de los años cincuenta. Pero de la misma manera que no faltaron imitadores del Estilo de Vida caracterizado por Fitzgerald, tampoco faltaron imitadores del Estilo de Vida inventado por Charlie Parker. Si en la primera posguerra los imitadores se pusieron a beber por el puro placer del peligro o por ostentación económica o, en la mayoría de los casos, por moda, los imitadores de la segunda postguerra fumaron marihuana por el gusto de hacer algo prohibido y cayeron a veces en manos de los proveedores de las drogas duras.

La propaganda espectacular del poder se basa fundamentalmente en estos desgraciados, para los que la droga es un vicio antes que una extensión de la conciencia, de manera semejante como el alcohol podía ser para los alcohólicos de la primera posguerra una enfermedad antes que un gesto de denuncia.

DIOSES DE UN PAÍS TERCERMUNDISTA

2008-11-12T14:35:00.000-08:00

Los dioses son seres inalcanzables, que en algún momento de bondad extienden el dedo a seres de carne y hueso los cuales, muchas veces, sintiéndose deidades deambulan entre el placer, la arrogancia y la mezquindad de su pequeño poder mortal.

La historia que Josué Méndez retrata, es un cuadro vivo de la alta sociedad limeña, aquella que se viste de apellidos, majadería y fotos de entorno social en los principales medios del país. Allí donde nunca falta la respectiva casa de playa, la familia disfuncional, el cinismo de los problemas domésticos, el dinero y la soledad.

Entonces el hedonismo recalcitrante que es sentirse un semidiós en un país tercermundista no importa, se desvanece el pensamiento entre reuniones sociales, fondos musicales de orígenes ajenos y borracheras que terminan muchas veces por levantarse a alguna empleada del hogar.

Sobre este preámbulo, que a lo mejor encuentra su mejor referente literario en “Un mundo para Julius”, se narra el cuadro. El mejor lugar para retratarla; los balnearios de Asia, aquel anexo del consumismo local y donde mejor se ilustra la exclusión social (Mamani, Choquehuanca, Condori etc.) en todo su desparpajo.

No existe intriga central, por lo que no es un film que muestre un final feliz o triste. Todo gira en torno a una visión predecible de principio a fin, con personajes abrumadoramente suculentos: el típico padre de bigotito facho, dueño de una empresa y que pretende adiestrar a su único hijo varón para tomar la posta de su pequeño imperio, la hija despreocupada sin corazón alguno que vive sólo para las juergas, el pasatiempo, las pseudoamigas y las drogas multicolores de moda, la madrastra arribista que trata de cuajar en un contexto al cual no pertenece y tal vez el único outsider quien no esta a gusto de lo que el destino le a otorgado; diego el hijo menor que además vive torturado por el deseo carnal a su propia hermana. Todos estos arquetipos se condensan con voces exteriores que a ritmo de flamenco discursan sobre plantas, meditaciones inanes, y reuniones sociales.

Además los dos planos de la realidad (los de arriba y los de abajo) que por un momento diego parece descubrir por primera vez, como una experiencia nueva, son retratadas en dos escenas específicas, la primera de ellas: cuando baja por las escaleras de su torre de marfil con vista a la playa, el mar, imponente, como si contemplara su reino privado. La otra; cuando baja las escaleras de un asentamiento humano adyacente de paredes a medio construir, y observa el mar de casas de esteras encima de los cerros. Entonces lo antagónico toma forma.

Las dos clases definidas; los que levantándose a las seis de la mañana esperan el bus repleto y suben como reses directo al matadero laboral, o entre los que suben a su zuzuky ultimo modelo comprado por su propio padre, entre los que esperan por rozar las aguas de un mar alumbrado por los últimos rayos del sol, o entre los que poseen una casa dentro de una playa privada, entre los que encuentran una diversión arrojarse la comida o entre los que no tiene que comer, entre los que se embrutecen con licor a ritmo de flamenco y bailan hasta el amanecer o entre los que tratan de estudiar alguna carrera técnica para salir del destino infausto que gratuitamente les pertenece.

Así la historia que explora este joven director queda para la posteridad, más como un archivo documentalista que como un film, o talvez como un cuadro retratado de algunos sectores de nuestro país.

LA NOVELA NEGRA DESCRITA POR LA GENERACIÓN BEAT

2008-11-05T16:07:00.000-08:00

…Emergiendo en plena madrugada de la nube de sueño, Jack se percató de que Lucien estaba sacudiéndolo del brazo “bueno, dijo Lucien, ya me deshice del viejo”

Esta es la historia de la novela oculta que Jack Kerouac y William Burroughs
redactaron al limón sobre el asesinato de David Kammerer, un monitor de scout boys obsesionado por un joven adolescente llamado Lucien Carr y que este 6 de noviembre saldrá a la luz mediante su publicación con el título And the hippos were boiled in their tanks (Y los hipopótamos hirvieron en sus tanques)

Dos escritores, un asesino, un homosexual y un cuchillo, ingredientes perfectos para cuajar una historia real, una novela negra y totalmente apropiada para la pluma de aquel grupo de jóvenes veinteañeros alocados y aficionados a las juergas, la aventura y al alcohol. La Generación Beat.

El trece de agosto de 1944, cuando sólo tenía diecisiete años, Lucien Carr, amigo de la santísima trinidad Beat, (Kerouac, Ginsberg y Burroughs) asesinó a su monitor de scout boy y profesor de educación física, David Kammerer de 45 años, quien llevaba tiempo persiguiéndolo sintiéndose atraído por el joven.

Aquella madrugada, sentados sobre alguna banca del Riverside Park, Kammerer se habría propasado con Carr, tratando de acercarse más que nunca en su intento de conquistar al joven por lo que el adolescente de inmediato le atestó una puñalada mortal con su cuchillo de explorador. “si no puedes quererme entonces mátame” es la frase que se atribuyo el los círculos de la universidad de Columbia al deseo del profesor por su alumno. Una historia totalmente parecida a la que mantuvieron Rimbaud y Verlain y que terminaron en desenlaces trágicos y de corazones homosexuales rotos.

Cubierto de pánico Lucien Carr no tuvo otra idea que atar el cadáver de pies y manos con los cordones de sus zapatos, llenar de piedras los bolsillos de su victima y arrojarlo al río Hudson, pero el peso del cuerpo era muy ligero, por lo que el cadáver flotó corriente abajo donde finalmente lo descubrieron los guardacostas.

Desorientado el joven asesino corrió a ver a Burroughs en busca de consejo, aterrado, cada vez más, por la idea de la silla eléctrica en la cárcel de Sing Sing. Bill no lo abandonó a su suerte, sino que le hizo preguntas para llamar la poca calma que se respiraba en la atmósfera. Además le sugirió que se entregara a la policía, que consiga un abogado por medio de su madre y que adujera defensa propia ante un intento de violación. Hecho que más tarde el Daily News caracterizaría como “muerte por honor”

Acontinuación fue a ver a Jack, informándole la historia mientras caminaban por la calle 118 hasta el Morningside Park donde el escritor vigilaba sigilosamente mientras Carr enterraba las gafas de su victima, después arrojó el cuchillo a un desagüe de la calle 125 por consejo de Kerouac y se dirigieron a un bar donde se tomarían el último trago.

Al día siguiente del incidente que terminó por dinamitar al grupo, Carr se entregó por consejo de ambos amigos, se declaró culpable por homicidio y paso dos años en una cárcel para menores al norte del estado de Nueva York. Burroughs y Keruac fueron detenidos por complicidad y sus huesos fueron a parar en Chirona, aunque por poco tiempo.

Y la novela terminó de hervir

La novela basada en el trágico suceso que protagonizó Lucien Carr fue escrita a dos manos en el año de 1945, consta de 18 capítulos de los cuales nueve están firmados por un tipo de nombre William Lee (William Burroughs) mientras los otros nueve restantes por otro que estampó la firma de Jhon (Jack Kerouac).

Obviamente ninguno de los protagonistas aparece con su nombre real, aunque es muy claro entrever el perfil de ambos escritores en sus personajes; Wil Deninson un camarero sumido en el submundo criminal de Nueva York y un marinero mercante bebedor llamado Mike Ryko, son los narradores de la muerte que marcó la generación beat.

La publicación de And the hippos were boiled in their tanks será por la editorial Penguin Classic en el Reino Unido y aunque estará en ingles, Anagrama, principal editora de la obra de Kerouac en España, ya esta en negociaciones para publicar la novela en español.

“los bares cierran a las tres de la madrugada los sábados por la noche, así que llegue a casa sobre las 3:45 después de desayunar en el Rikers, en la esquina de Christopher Street con la Séptima Avenida. Deje el News y el Mirror sobre el sofá y me despoje de mi chaqueta mil rayas y la tiré encima. Me iba directo ala cama”. Se sabe que estas son las primeras líneas de la novela.

Aunque Kerouac había prometido a Lucien Carr nunca escribir sobre el trágico suceso, el escritor faltó tres veces a su promesa. En La ciudad y el campo, su primera novela, ya lo mencionaba y en La vanidad de los Duluoz, su última, ya coqueteaba con discretos detalles. A pesar de todo, el episodio de Kammerer reforzó la relación Kerouac Carr por lo que además Ginsberg dijo alguna vez: “Lou era el más aglutinante”.

2008-10-25T15:34:00.001-07:00

Nacido para perder

Por: Miguel S. Locatelli

Este 15 de noviembre, el peor equipo de futbol de la historia mundial, Ibis Sport Club, cumple 70 años, para lo cual el estadio paulista espera llenar 15 mil butacas con hinchas que saben el verdadero significado de la palabra “perder”.

Aquí no juegan las matematicas, ni los dirigentes, mucho menos los jugadores, el Ibis Sport Club es el peor equipo de la escena mundial a lo largo de su historia.

Resulta dificil creer que el país que más futbol practica alberge a una escuadra tan vapuleada y que casi nunca haya ganado un solo partido con verdadero futbol, asi lo demuestra los scores finales en cada uno de sus encuentros: 15-0, 30-0, 40-0, resultados más bien tenísticos, que en vez de ser lamentados son celebrados por sus mismos jugadores e hinchas freaks

Este singular equipo de futbol, ha nacido para perder, y presisamente se ha hecho famoso por eso. Por ser vapuleado. sin embargo este 15 de noviembre 15 mil hinchas llenarán el estadio Paulistano para celebrar lo que será su 70 aniversario frente a un rival aún desconocido. Eso si, el Ibis tiene que perder.

Su fundación se remonta a una tarde de noviembre de1938, por una compañía de seda y algodon de Pernambuco, desde entonces, el Ibis ha recibido 3.550 goles y sólo ha anotado 62 veces, un promedio totalmente malisimo para cualquier equipo de futbol.

En esta escuadra, que no es capaz de marcar un gol por año, lo peor no es ser su hincha sino su arquero. La mitología sobre este club brasileño que no “joga bonito” es alucinante. Los seguidores, 'freaks' que celebran los goles en contra, pues eso agiganta su fama de perdedores, saltaron de alegría por la terrible temporada de 1980: perdieron todos sus partidos.

La única vez en que el Ibis ha ganado ha sido fuera de las canchas, justamente en el 2001, cuando su entonces presidente Pinheiro Caldas exigió ser considerado por el libro de los récords Guinness como el peor club de la historia.

el Ibis Sport Club es un romántico espacio para los perdedores. Perdedores con talento y visión empresarial, claro: el actual presidente, Ozir Ramos Junior, ofrece los servicios del cuadro rojinegro como 'sparring' para levantar la moral. Juega en mi contra y sabrás lo que es ganar, parece ser el slogan asi como una oferta atractiva: si quieres ser parte de la historia, sé dueño del Ibis por apenas un dólar.

La fórmula para hacer feliz a la selección peruana, al parecer no esta tan lejos, tal vez el chemo debería tomar en consideración jugar un partido amistoso con este equipo y ver de una buena vez que aspiraciones tenemos para ir algún día al mundial.

El golpe violento de Richard Dadd

2008-10-18T11:52:00.000-07:00

Por: Miguel S. Locatelli

Cuando Richard Dadd se convirtió en el emisario divino del dios egipcio Osiris, nunca pensó que sería en el protagonista de una escena de horror, tras asesinar a su padre con un golpe de hacha en la cabeza, mucho menos en ser el autor de uno de los cuadros más importantes de la época victoriana de Inglaterra: El gran golpe del leñador mágico..

Dicen que los artistas poseen demonios enfrascados, el lado oscuro que sólo ellos conocen y que no son capaces de detenerlos. Tal vez este es el caso de Richard Dadd; artista, parricida y demente, tras ver su vida correr encerrado en diferentes centros de reclusión para lunáticos.
Dadd nació en agosto de1817 en Chatham, hijo de un acaudalado químico, pronto mostraría sus dotes para la pintura, instalándose en la capital de Londres para realizar sus estudios de arte y donde se hizo notar por obras de delicada fantasía plasmada con preciso realismo, como Puck, Titania sleeping y, sobre todo, Come into these yellow sands, una cabalgata de danzantes feéricos en una playa a la luz de la luna que fue la sensación de la exposición anual de la Royal Academy en 1842.

En esa misma fecha el joven artista de 25 años emprende un viaje iniciático por Europa y el medio oriente junto a su amigo sir Thomas Philips, antiguo alcalde de Newport. Dadd, entonces realiza numerosos esbozos de los lugares que van visitando como el Salute de Venecia, olivos de Atenas, camellos turcos, paisajes de Rodas… y algunos óleos de tinte oriental que para aquella época empezaba a perfilarse en el gusto victoriano.

En el Cairo el pintor se une a un grupo de hombres, quienes fumaban hachis con un instrumento conocido por los ingleses como “hubble bubble” por el sonido que producen al bombear el aire a través del agua. Se estima que Dadd, fascinado por la experiencia, fumó ininterrumpidamente los siguientes 5 días con sus cinco noches tratando de descifrar el lenguaje que producía el gorgoteo de la pipa al fumar o el código secreto, que Osiris, dios egipcio quien, según el mito, murió desmembrado, le habría encomendado. Ya al quinto día Dadd fue capaz de comprender el mensaje y la misión que tenía que cumplir en su vida.

Sin embargo Philips, que ya había notado una conducta extraña en el artista, lo envió de regreso a Inglaterra, tras el “golpe de calor” que Dadd había sufrido la navidad de 1842. Una fortísima insolación en Egipto que desde entonces desemboco en una imaginación vaga, de rumbos sublimes y totalmente peligroso. Así también lo determino el doctor Alexander Sutherland que consideró que Richard ya no era responsable de sus actos.

Cuando volvió a Inglaterra, Richard Dadd se sabía poseído por él dios egipcio Osiris, qué había decidido convertirlo en su emisario e instrumento. La tarea que le encomendó era urgente y vasta: acabar con las manifestaciones del diablo que pululan por el mundo. Una lista amplia que contenía los nombres de las personas que debía eliminar y que coronaba el asunto con el obispo de Roma. El primero; su propio padre.

Aquel día, tras haber cenado juntos en Ship Inn y mientras daban un paseo por el bosquecillo de Cobhan, Richard Dadd asesina a su padre con un golpe de hacha en la cabeza, acontinuación desmembra el cuerpo y desaparece, siendo arrestado a los pocos días cuando trataba de escapar a Francia para terminar su misión de mayal del dios.

El pintor, atormentado por los acontecimientos, es confinado de por vida en el centro de reclusión para criminales lunáticos de Betlhem, donde realiza diferentes obras de minucioso e inquietante contenido como por ejemplo; Oberon y Titania, la perturbadora acuarela titulada The child's problem, o su serie sobre las pasiones humanas. En el mismo hospital produce la que seria su gran obra maestra la pintura relativamente pequeña (54 x 39 cms) en la que trabajo durante inconfesables horas durante 10 años y donde el genio sale a relucir: El gran golpe del leñador mágico

Cuando el pintor fue trasladado a Broadmoor donde sobrevivió 21 años más, regaló el óleo a uno de los enfermos del hospital. Hoy, la obra es una de las más grandes piezas de colección de la Tate Gallery, y hasta el grupo Queen le dedicó una canción: The fairy fellers master stroke.

El cuadro describe la escena aterradora que le tocó vivir, en un bosque adornado por hadas y duendes, una totalidad de abigarrada flora y personajes de fábula elegantemente hechizados o grotescos. El leñador anónimo detiene el tiempo con el arma cargada sobre su victima, mientras todos los personajes centran la mirada al filo del acto sangriento: Los demonios internos del artista incomprendido.

Si 10 años después...

2008-10-12T13:13:00.000-07:00

Dicen que algunas cosas que nos gustan son ilegales, inmorales o engordan, Andrés Calamaro encaja perfectamente en las tres, y aunque ya pasaron 10 años desde su última visita al Perú, regresa este 26 de octubre para fumarse lo ilegal, romper, aún más, algunos corazones destruidos o llorar con las letras del recuerdo.

Desde los Abuelos de la Nada y esa época confundida que fueron los ochentas, la oleada del rock argentino ya invadía las estaciones de radio y le hacia la guerra a los temas pop de la tierra del tío Sam, un Calamaro que exploraba entre lo más recóndito del ritmo musical desde su trinchera, refugiado y armado con un teclado para dar vida a ese estilo peculiar que los Abuelos de la Nada adoptaron. Hasta que Miguel Abuelo nos dejó o “lo dejó”, pronto el “Comandante Porrito” se exilió en España donde recluto a Julián Infante, Ariel Roth y Germán Vilela para dar vida a “Los Rodríguez”, banda con la cual tocó todo lo no permitido, un rock más agresivo y sentimental, la trilogía encarnada en las venas de este ritmo musical, sexo, drogas y rock and roll.

Pronto las letras de temas como “Mi Enfermedad”, “Sin Documentos” o el himno “Para no Olvidar” fueron calando en la mente de jóvenes del continente y sacaron a Calamaro del anonimato, para cuajar, ser escuchado y reconocido. Sin embargo las disputas por el liderazgo que, como toda buena banda de rock posee, no fue la excepción para “Los Rodríguez”. Hasta que un último concierto de despedida del cuarteto se hizo sentir y permitió que Calamaro regresará como solista y prometedor. Un poeta rocanrolero.

“Alta Suciedad” disco de 15 temas, donde Calamaro reivindica su lado sentimental, sensible a los amoríos fracasados y lidiando con las pastillas y la hierba de una forma no tan publica. Paradójicamente en esta etapa Andrés se convierte en un artista pop que brinda entrevistas, hace conciertos, gana premios de la cadena MTV y siempre tiene algo que decir.
Sin embargo le tocó vivir lo que sus propias canciones divulgaban; cuando su ex pareja lo abandonó y Charly García le declaró la guerra a sus canciones.

Pero como todo mal tiene algo bueno, éste se llamo “Honestidad Brutal” un disco doble donde el trovador tenía mucho para dar y que fácilmente se podía escuchar en una sala de estar con cervezas cigarrillos y demás. Calamaro ya había encontrado el camino, promocionado el disco entre giras, lágrimas y amigos. Para muchos el mejor disco que la vida de este músico regaló al mundo y una frase conmovedora al final de la portada. “Gracias a la gente que me quiere y me cuida y como soy un caballero sin memoria: a los amigos ausentes, debajo de la alfombra de mi corazón y a todos aquellos que me ayudaron a llegar donde estoy: entero. Dice el corazón: Frank Sinatra contigo termino el siglo. Por Mónica”. Andrés.

El otro capitulo en la vida de Andrés es el exilio que la disquera Dro propició al negarle más giras y rompiendo lazos musicales con el Capitán Porrito, tras su último alarido llamado “El Salmón”, una pesadilla ultracreadora que fue grabada en la clandestinidad en diciembre del 99, cinco discos de 103 temas en total que recoge demos, canciones pop, protestas e himnos políticos y sentimentales. Ese fue el último romance que Andrés mantuvo con los medios y así se refugio en un cuarto de hotel grabando más canciones que se llegó a decir eran 10 por día con un estilo original que el denominó el método “kamikaze” de composición frenética que sólo se publicaban en la web www.camisetasparatodos.com, y que muchos de sus seguidores bajábamos sin cesar, una época en la que sólo se mantenía vinculo con él mediante esporádicas apariciones, reportajes enlatados o alguno que otro artículo preguntándose ¿qué será de la vida de Andrés Calamaro?. Todos pensábamos lo peor y que a lo mejor, alguno de estos días, despertaríamos con una noticia aterradora, no tanto como que Andrés se haya suicidado sino que, como el mismo declararía, “Uno de estos días terminaré confesando algún crimen”

Tal vez esos años fueron los más creativos para Calamaro, evitando la lectura de periódicos, la radio, televisión o el cine, no salir de casa y donde las jornadas duraban lo inconfesable de uso y abuso grabando en algún lugar oscuro de casa.

La luz del cantante

Tras más de 5 años en la clandestinidad Calamaro reapareció el 2004 con un disco titulado “El Cantante”, el cual recoge la esencia de las letras poéticas en la música. Temas como “El Cantante” de Rubén Blades, o viejos tangos como “Volver” de Gardel, brotaron de sus cuerdas vocales con una voz gangosa y gastada, tanto así que ahora se veía un Andrés enflaquecido, el cabello gastado y con bigotes, como si la vida le pasara factura de aquellos años entre melodías como las de los Abuelos de la Nada, Los Rodríguez, amores fracasados, juicios en tribunales y demás.

“El Cantante”, así como su predecesor “Tinta Roja” y “El Palacio de las Flores” (2006) fueron álbumes dedicados a reconocer viejos temas, reivindicarlos en la voz de Andrés Calamaro y tal vez escucharlos en alguna cantina junto a amigos en alguna borrachera de conversaciones. Sin embargo este viejo poeta vuelve a la escena y las giras con su último álbum: “La Lengua Popular” la cual ya se vocea sería premiada en los próximos Grammy y que recoge sencillos como “Carnaval de Brasil”, “Los Chicos” o “Mi Gin Tonic” y que Andrés a descrito como un disco de doce colores carnavalescos donde bailan sus amigos muertos con musas reencontradas y minibares ofrecen espumosos gin tonics orilleros.

Así la noche del domingo 26 de octubre, la luna llena y miles de corazones en lima saltarán al ritmo de esa voz gastada entre melodías que para mí recuerdan cada paso de mi vida, libros leídos, amigos que se fueron pero que están dentro del alma y novias perdidas. Una cita para la posteridad

DICEN QUE SOY UN PAYASO…

2008-07-24T16:11:00.000-07:00

La sonrisa más despiadada del crimen, el arlequín psicópata y demente, el único que a través de los años ha sufrido diversas transformaciones en su formato original, desde su aparición en la serie de TV de los años 60tas, pasando por dos apariciones en la pantalla grande, con Uds.: El Guasón

El génesis del Guasón es un tema muy discutido y conflictivo, así como la propia personalidad de este singular personaje de historieta, sin embargo los ingredientes para su creación debieron influenciarse más de la historia y no tanto de la imaginación de sus concebidores.

Exactamente transcurrían los años veinte en Norteamérica, la mafia se había apoderado de las calles, los crímenes eran noticia de todos los días para los periódicos, gangster como All Capone, o Lucky Luciano (quien en cada asesinato que cometía dejaba una carta de As en las manos de sus victimas, a diferencia del payaso una carta de comodín) implantaron el horror y la inseguridad en la época de la gran depresión.

Por otro lado el estreno en 1928 de la película de Paul Leni, “El Hombre Que Ríe”, y basada en la famosa novela de Víctor Hugo, presenta exactamente lo que seria el aspecto del Guasón; rostro delgado, ojos delineados, lujuriosos, grotescamente grises y funeralmente tristes, dientes sobresalientes y la cara desfigurado por una sonrisa aterradora y extremadamente diabólica.

En la segunda mitad del siglo XX las vanguardias artísticas simpatizaban con la Patafísica, movimiento cultural francés vinculado al surrealismo que se caracteriza por ser anarquista, surreal, escandalosa, absurda, luddita y extravagante.

Como vemos la complicada creación del bufón es casi tan caótica como su oscuro origen, el cual marca ciertas características de movimientos o personajes a través de la historia.

NACE LA SONRISA OSCURA
Según algunas historias, el verdadero nombre de “la sonrisa siniestra”, es Jack Napiear, un personaje impredecible y despiadado que vive para demostrar que la gente también puede adoptar el lado más bizarro, un psicópata capaz de matar a cualquiera, incluso a sus propios secuaces por mero entretenimiento.
En el comic del año 1988 Batman: La Broma Asesina, se explica claramente el nacimiento del personaje antes de convertirse en el payaso siniestro, describiéndolo como un ingeniero anónimo quien, buscando obtener más dinero para mantener a su esposa embarazada, deja su trabajo en una planta de químicos y decide probar suerte como comediante resultando un fiasco lamentable. Entonces decide guiar a 2 ladrones dentro de la planta donde trabaja y con esto ganar parte del botín. Mientras planeaban el robo en un bar, le informan que su esposa e hijo han muerto electrocutados en un accidente casero. El ingeniero trata de salirse del plan, pero los ladrones le obligan a participar, sin embargo todo sale mal, la policía abate a los dos ladrones, mientras que el ingeniero logra evadirlos. En su angustiante huida se topa con Batman, debido al susto cae en un contenedor lleno de químicos y cuando logra salir, se da cuenta que su cuerpo ha reaccionado a las sustancias, dándole la apariencia de un payaso: piel blanca, labios rojos y pelo verde. Se vuelve loco. Nace el Guasón.

EL GUASON COLORADO

En los años sesentas la personificación del Guasón la encarno el actor cubano americano César Romero, quien brindaría una actuación inolvidable como un excéntrico ladrón con trucos de poca monta, siendo gracioso y tonto a la vez, falto de cariño y con un especial aprecio por los gags y la parafernalia bufonesca. Tan parecido al mismo chapulín colorado. A pesar de que su caracterización fuera más humorística que asesina, fue un éxito fenomenal incluir a este payaso, en la serie de televisión.
Obviamente los márgenes de sadismo y violencia eran características de las cuales la pantalla chica de aquellos años no estaba preparada, la verdadera cara del Guasón tuvo que esperar y ser maquillada por los pequeños delitos y las sonrisas estridentes, más parecidas a un payaso de caja de sorpresas, además de la estética adoptada del mismo Pop Art de Andy Warhol y su Pum!!! Bang!!!
Muchos habrán notado que el Guasón de la serie tenía bigote, y quizá pensaron que era intencional. En realidad, el papel requería que se lo afeitara, pero resultaba tan característico de Romero que éste se negó, por lo que simplemente lo pintaron de blanco,

QUE PAYASOS!!!

Otro rostro que el Guasón adoptó fue el que se dio a conocer en el estreno, en 1988, de la película Batman de Tim Burton, con la caracterización de Jack Nicholson quien retrató un criminal desadaptado, de muecas desequilibrantes, y rostro violento, una verdadera mezcla del guasón tropicalizado de Romero con el del comic original.
Este Guasón no perdió la sonrisa, en el sentido más literal de la palabra; Nicholson mostró, en la personificación, el lado sarcástico y bufonesco, pero además, impone al asesino de una forma sutil, más bien intelectual, como si estuviese dentro de una “caja de naipes” meditando o tramando alguna fechoría.
Las expresiones faciales, las muecas, y los gestos así como la socarrona sonrisa típica de este personaje no fue dejada de lado en la realización, por otro lado la indumentaria que bestia el bribón del crimen, era más parecida a los ternos de la serie ochentena Miami Vise que las de un gangster.
Sin embargo habrá quienes discrepen en quién realizo la mejor representación del Guasón, Jack Nicholson o Heath Leadger, quien en la película que acaba de estrenarse este año nos demostró que meterse en los zapatos del payaso no es cosa de juego.
Una cara endemoniada, el maquillaje descuidado, los cabellos encendidos de un verde tan estridente como la cicatriz en forma de sonrisa, una personalidad demencial y el sentido del humor tan opaco, que nada tiene que ver con las interpretaciones chifladas y divertidas de antaño.
En realidad estamos frente aun Guasón, quizás el más tétrico de la historia, que demuestra su verdadera cara, y es capaz de asesinar a quien sea por puro placer tras su slogan de batalla "Algunos hombres no buscan cosas lógicas como el dinero, no pueden ser comprados, ni se puede negociar o razonar con ellos. Algunos hombres sólo quieren ver al mundo en llamas".

Heath Leadger nos hizo pisar tierra, con la caracterización de un personaje tan complejo y violento, talvez el guasón más real y mediático, reviviendo al psicótico del regocijo que, irónicamente pareciera habérselo absorbido, tanto así que fue el último papel que protagonizó tras su suicidio el pasado 23 de enero.

HACE 30 AÑOS SE ESTRENO EXPRESO DE MEDIANOCHE, PELICULA DE CULTO QUE, HOY EN DIA, SE HA CONVERTIDO EN UN CLÁSICO DEL CINE NORTEAMERICANO.

2008-07-16T15:15:00.001-07:00

Por: Miguel S. Locatelli

Si alguien vivio para contralo, fue Billy Hayes, un joven norteamericano de 23 años, quien fue detenido por las autoridades turcas en el aeropuerto internacional de Estambul al tratar de abandonar el pais con dos kilos de hachís impregnados en el cuerpo allá por el año de 1970.

Sentenciado a una condena desproporcionada de 30 años, La historia narra el vejamen que sufrio billy, dentro de una prision corroída, que es lo mas parecido al infierno, junto a personajes sórdidos, esos que sólo existen en las peores pesadillas y donde sólo existe una forma de escapar y es atraves del expreso de medianoche, nombre sugerido por la alucinación, con hachis, al escape.

La pelicula presenta un ritmo denso, sórdido y real, logrando un relato crudo sobre los horrores que vivio el estadounidense y atravezando lineas de homosexualismo en un sentido más subjetivo y meditación de amor puro entre los hombres.

La extraordinaria dirección de alan Parker y el estupendo guion de Oliver stone, integrando el mejor reparto entre los cuales figura la actuacion de Brad Davis quien logró plasmar la imagen real de un joven desesperado a quien le “estan quitando la vida de a pocos”, Jhon Hurt en el papel del desauciado adicto, ademas de la sobrecogedora partitura musical de giorgio moreder, lograron condensar el horror y la visión más aterradora de las carceles turcas.

Asi, La historia de Hayes se estreno el 5 de octubre de 1978, termino en la pantalla grande, cobró dos oscar de la academia y serios problemas con el gobierno turco, tras el racismo gratuito que desperto, luego de que 3.479.282 espectadores repudiaran el trato de extranjeros en Turquia, sin embargo años despues, Oliver Stone reconoceria que dramatizó más de la cuenta en el guion del film.

2008-04-13T20:10:00.000-07:00

2008-04-13T19:33:00.000-07:00

Vagando entre la melodía de Tom Waits

Por: Miguel S. LocatelliNoches baratas llenas de ilusiones perdidas, alcohol sin contemplación, golpeando fuertemente el teclado en el café de mala muerte “Atomic”, el relato de algún alma triste espesa de alquitrán, y muchas veces lidiando con el peligro. Así debió ser la vida de Tom Waits

Sería difícil catalogar a Tom Waits a través de los años; cantante, compositor actor, uno de los artistas de su generación dispuestos a abordar ese tren de madrugada de la autodestrucción, al filo de la noche, donde sus obras se basan entre la desesperanza, el “delirium tremens” de sus canciones y el vagabundeo de algunos pobres incautos, tal vez asaltados en algún rincón oscuro de la ciudad.

Y es que este chansonnier, vio la luz pública con el álbum “Closing Time” (1973), sin embargo mas tarde su segundo disco “Heart of Saturday Night” (1974), le daría el crédito merecido el cual definiría esa voz cansada de alcohol, y cigarrillos, una voz gangosa protestante acompañada del ese viejo ritmo blues y jazz subterráneo que como el definiría luego con sus propias palabras: "Una canción debe tener su propio sistema nervioso. La melodía es como el humo, y el ritmo son las toses."

Pero no sólo tenemos al Waits cantautor, sinó también al actor, desarrollando papeles anecdóticos, o tal vez a los mismos protagonistas de sus canciones como por ejemplo; un desgarbado dueño del billar en “Rumble fish”, el camarero de “Outsiders”, el gorila del “Cotton Club” o el Dj. de radio cuesta abajo sin oportunidades el cual terminaria encerrado en la carcel por un crimen que no cometió en el film de Jim Jarmusch “Dwon by Law”.

Las influencias directas de este “mítico viviente” se relacionan con aquellos relatos de tragedias urbanas que los escritores de la generación Beat, Jack Keruac, Charles Bukowski y William S. Burroughs (con el cual participó en la ópera cómica The Black Ride), los cuales marcaron el prólogo que más adelante se expandiría en el llamado “verano de las flores” en Norteamérica de los años 60tas.

En la actualidad, su música experimentada con la conjunción de nuevos sonidos, agregando instrumentos primitivos y su voz, la cual aparece aún más oscura y sórdida y la base del jazz, blues o tango, deleitará a algunos melómanos dispuestos a torturarnos e insertar estas melodías en el sountrack de nuestras vidas.

Cuando el sexo se hizo literatura

2008-04-06T14:25:00.000-07:00

Por: Miguel S. Locatelli

El contexto era convencional por aquellos años: las guerras mundiales azotaron al mundo que vivía bajo la amenaza de una bomba atómica y el puritanismo ortodoxo de las religiones.

Sólo los artistas toman conciencia de las “lagrimas derramadas”; Jack Keruac, Allen Ginsbeg, Eduar Munch o el promiscuo escritor Henry Miller a quien su abierta libertad le permitiera experimentar la vida a plenitud.

Un artista cuyas vitalistas novelas eróticas fueran censuradas por la moralidad “no existente” de las personas en la Norteamérica del consumo.

Henry miller nació en Nueva York un 26 de diciembre de 1891 en donde sólo permaneció un breve periodo de tiempo, antes de marcharse a París en 1930 huyendo prácticamente de la “gran depresion” que azotó los EEUU en 1929. Ya asentado en París daría rienda suelta a su pluma y experimentará una sagrada y liberada vida bohemia que le permitió escribir novelas de carácter autobiográfico como “Trópico de cáncer” (1934), “Primavera negra” (1936), y “Tropico de capricornio” (1939).

Los trópicos son de alguna manera, palpitaciones, emociones, erecciones de la vida, la populación con la literatura y todas las artes. En la fluida prosa de los trópicos se mezclan obscenidad y espiritualismo con gran naturalidad, un expresionismo más realista que un divismo simbólico, como puede verse en Trópico de capricornio:

“es así… hay coños que ríen y coños que hablan; hay coños locos, histéricos, en forma de ocarinas y coños lujuriantes, sismografitos, que registran la subida y la bajada de la savia; hay coños caníbales que se abren de par en par como mandíbulas de la ballena y te tragan vivo; hay también coños masoquistas que se cierran como ostras y tienen conchas duras y quizá una perla o dos dentro; hay coños ditirámbicos, que se ponen a bailar en cuanto se acerca el pene y se empapan de éxtasis; hay coños puerco espines que sueltan sus púas y agitan banderitas de navidad; hay coños telegráficos que practican el código Morse y dejan la mente llena de puntos y rayas; hay coños políticos que están saturados de ideología y que se niegan hasta la menopausia; hay coños religiosos que huelen como los adventistas del séptimo día y están llenos de abalorios, gusanos, conchas de almejas, excrementos de oveja y de vez en cuando migas de pan”.

En París también conoció a quien fuera su amante, la mítica musa de su arte; su compañera pasional y espiritual, la escritora francesa Anais Nin. “tu vida es como el teatro – dijo Henry- ahora te preparas para el siguiente acto. Con que rapidez tienes que cambiarte…”

Y es que la autora de “Hijos de albatros” e “Infierno de artificio” era una de las grandes pasiones y punto de reflexiones de Miller.

A su paso por Grecia, donde permaneció un año invitado por otra de sus celebres amistades; Lawrence Durrell, analizaría aún más la cuna de la filosofía y se sumergiría en las raíces divinas de la literatura helena. Así es como publicaría, a su regreso a Norteamérica en 1940, otra de sus obras “El coloso de Marussi” (1941), en donde presenta a Grecia como el lugar donde es posible recuperar lo divino que tiene el ser humano, y entre los años 1949 a 1960 saldría a la luz la trilogía de la pasión, el amor y la locura “ La crucifixión rosa” integrada por tres novelas: “Sexus (1949), “Plexus” (1953), y “Nexus” (1960).

Las ideas y concepciones del mundo de Henry Miller influenciaron directamente en la llamada “Beat Generation”. Su vida se convirtió en una máxima libertad, una libertad de salvación, de experimentación donde todo estaba permitido, fuera de los parámetros convencionales que el mundo aquejaba; la fiebre del desamor y el puritanismo ortodoxo de la intolerancia.

Fue uno de los defensores de la libertad individual y literaria, la libertad intensa con la cual lidió desde niño.

“estamos ahora en el otoño de mi segundo año en París, no tengo dinero, ni recursos ni esperanzas. Soy el hombre más felíz de mundo. Hace un año, hace seis meses, creía que era un artista. Ya no lo pienso, lo soy. Todo lo que era literatura se ha desprendido de mí. Ya no hay más libros que escribir, gracias a dios”.

Falleció el 7 de junio de 1980, año en que otro soñador libre seria asesinado: Jhon Lennon.

LA RAZA DE LA MUSICA

2008-04-06T14:04:00.000-07:00

Entre lo que somos y no aceptamos

Por: Miguel S. Locatelli

Cuando era niño recuerdo aquel programa, que religiosamente, observaban miles de familias peruanas los días sábados a las 5 de la tarde a través de aquella caja boba que nos endulzaba con sus imágenes. Ahora tengo 27 años y supongo que ud. ya se habrá dado cuenta de que estoy hablando, Trampolín a la Fama y obviamente el Televisor.

Recuerdo también, acompañar a mi madre al mercado hacer las compras y el fondo musical que sonaba en mis oídos y se colaba por entre mi subconsciente, obviamente no era el que ofrecen los supermercados de hoy en día con melodías pop de los 60tas.

Quiero decir que en aquellos años la oleada provinciana ya se había hecho notar muy a parte de sus costumbres y que estilos musicales, como la chicha, ya aparecían en determinados programas de TV y estaciones de radio.

Interpretes como Chacalon, Vico y su grupo Karicia, Los Shapis, el grupo Centella y otros más como el grupo Guinda, eran los máximos exponentes de aquellos años, dentro de la masa provinciana que ya abrigaba lima y que complacían los deleites melómanos de sus fans en diarias presentaciones como por ejemplo en la recordada "Carpa Grau".

Obviamente pasaron los años, nunca fui adepto de tal estilo musical, pero si, de uno en particular, me refiero al Blues, y recuerdo haber comprado una harmónica con la ayuda de mi abuela por tal solo 8 soles.

Más adelante mis intereses crecieron, y por historia supe que el ritmo Blues es la música espiritual de los negros esclavos de Norteamérica, victimas del racismo y que influenció directamente al rock and roll americano y británico.

Llama la atención la comparación, pero todo tiene un por qué, y es asi que pude comprobar que la música es una forma de expresión artística y universal, sin embargo no presenta un tipo de integración, y que las contradicciones se dan a menudo en este plano.

Quiero decir que mientras en Norteamérica de los años 50tas frases como “ la obscenidad y la vulgaridad de la música rock and roll es un medio por el cual el hombre blanco son elevados al nivel de los negros” o tal vez Consejos como el de los “Ciudadanos Blancos de Alabama”, que buscaban acabar con la “música animal de color”, o peor aún movimientos como el klu klux klan que asesinaban a familias de raza negra, en Lima, se presentaba un cuadro similar, no de mayor grado pero si de una intensidad avergonzarte.

En realidad, sabemos que el Blues y el rock and roll sobrevivieron a muchos gobiernos y que sedujo a diferentes estratos sociales al ritmo de las caderas de Elvis o el rasgueo de la guitarra de chuk berry, y que hoy en día es un ritmo universal en todo el mundo.

La pregunta es ¿por qué existe esa barrera que discrimina la música, su origen, su raza o su gente? Ahora, ud. ¿se sentiría insultado si lo llamaran serrano, cholo o chichero? La supervivencia de ritmos emergentes de las provincias alrededor de Lima y su gente, a lo mejor pueden sentirse identificados con este tipo de comparación.

Grupos musicales como los que he mencionado anteriormente, han sellado su paternidad frente a herederos como: el Grupo Cinco, Los Caribeños de Guadalajara, el Grupo Nectar, y un adiposo personaje, siempre vestido de blanco, que demuestra básicamente lo que un sector de nuestro país representa. Tongo

Ahora no me sorprende ver a Tongo en las discotecas del exclusivo balneario de Asia, o en discotecas de centros comerciales como Larcomar, ya sea en forma de broma o realmente disfrutando un ritmo de música diferente. Pero, ¿hubiese sido posible, en el génesis de este ritmo musical, ver a Chacalon en una discoteca llamada Aura? ¿Se imagina?

Es decir lo recatado y lo huachafo somos los peruanos o talvez un plato de 7 colores grafique, en cierta forma, nuestro país.

La contradicción es la siguiente, si en realidad hemos aceptado este ritmo de música popular proveniente y de orígenes provincianos llamado, ahora, Cumbia ¿por que los limeños aún nos sentimos heridos si nos tildan de serranos, cholos o chichero? ¿Acaso se tratará de gustos simplemente?

El fin, en realidad, es saber principalmente, si nuestra música presenta contradicciones en sus adeptos y eso realmente es una pregunta de la cual ud y yo aún no estamos de acuerdo.

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